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Las 10 películas de David Lynch clasificadas del ''peor'' al mejor

Hydra

Miembro Maestro
Esta lista debe ir precedida de la afirmación de que lo "peor" de las películas de David Lynch es una idea muy diferente a lo peor de los respectivos catálogos de muchos otros directores.

Cada vez que David Lynch ha tomado el timón de un largometraje, el resultado ha sido algo aventurero, desafiante y, lo que es más importante, que ha provocado un debate mucho después de que se hayan barrido del suelo del cine los granos de palomitas y las gominolas cubiertas de pelusa.

10. Dune (1984)
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La obra maestra de ciencia ficción de Frank Herbert fue la primera experiencia de Lynch en el cine de gran presupuesto y, según todos los indicios, no fue nada agradable para el joven director. La historia no encajaba en la duración esperada de una película de Hollywood de la época.

Mucho antes de que a Peter Jackson se le diera rienda suelta para adaptar la trilogía de El Señor de los Anillos en el tiempo que necesitara, a Lynch no se le concedieron esas concesiones y se vio obligado a entregar una película de menos de dos horas, media hora menos de lo que quería. Existe una versión más larga de la película, pero Lynch ha eliminado su nombre de ella y se niega a defender que es enteramente suya.

No hay ninguna garantía de que más tiempo hubiera dado como resultado una película mejor, independientemente de la libertad de que gozara Lynch. Lo cierto es que demasiados de los temas centrales del libro de Herbert se pasan por alto o se glosan y la historia salta de un lugar a otro, resumiendo años de tiempo en una sola voz en off y dejando al público con la sensación de que se le ha privado de ver los acontecimientos más interesantes. Además, las secuencias de acción de la película no son especialmente emocionantes y, desde luego, no han envejecido bien.​

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Esto no quiere decir que Dune sea un fracaso. Hay muchas cosas que me gustan de la película. El reparto es magnífico e interpreta sus papeles con una gravedad que se ajusta al peso del material original. El aspecto de la película también es muy bueno.

Hay unos decorados magníficos que combinan muchas influencias arquitectónicas diferentes y el vestuario encaja a la perfección. Se ha criticado mucho la falta de gracia del diseño de los trajes de los Fremen, pero cuando se toma como lo que es, el aspecto presentado en la película de Lynch parece bastante fiel a su propósito.

Desgraciadamente, el mayor problema de Dune es que pierde la oportunidad de representar los principales temas del libro de Herbert: la ecología y la manipulación religiosa. El segundo sólo se insinúa, mientras que el primero apenas se vislumbra. El único lugar que necesitaba convertirse en una realidad aterradora, en un personaje en sí mismo, era el desierto abierto de Arrakis, donde la más mínima gota de agua desperdiciada puede conducir a la muerte.


9. Inland Empire (2006)
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El último largometraje de Lynch hasta la fecha ha sido comparado con una tela de araña, en el sentido de que no sigue ninguna estructura narrativa convencional. En su lugar, el espectador es llevado de un punto a otro, algunos interconectados y otros no, siendo repetidamente devuelto a diferentes motivos, pero sin sentido de la cronología o el impacto.

Hay una historia, o más bien varias historias, y la belleza de la película es que están entretejidas de forma onírica. Todo, desde una actriz en una película dentro de otra película hasta una red de prostitución, pasando por un programa de televisión con personas con cabeza de conejo, se mezcla y nos hace preguntarnos dónde encaja todo.

La película fue un experimento para Lynch en muchos sentidos: no tenía un guión terminado cuando empezó y los actores recibían sus líneas cuando llegaban al plató. También filmó todo el proyecto con vídeo digital. De hecho, ha dicho en el pasado que originalmente no tenía intención de que el proyecto fuera un largometraje, sino simplemente algunas ideas que tenía y que iba a filmar. Esto es lo que hace que la película sea tan interesante y también lo que la sitúa en esta posición de la lista.
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La historia que se nos presenta es insondable a propósito y no es más que una experiencia. No importa lo hermosa, angustiosa o surrealista que sea la experiencia, no ofrece al espectador ninguna posibilidad de entrar en ella, ya que nos mantiene en desequilibrio en todo momento. Tres horas (más del doble de la duración de Eraserhead) es mucho tiempo para mantener a la gente en equilibrio y esto hace que sea un trabajo duro para el espectador.

En última instancia, si Inland Empire fuera una instalación en una galería de arte, uno podría pasarse horas mirándola, dejándose llevar por las imágenes y el misterio. Uno podría perder la noción del tiempo y quedarse embelesado, o entrar y salir, captando fragmentos de significado en cada visita. Ésa es su brillantez, pero también su debilidad en comparación con otras obras de Lynch.


8. Carretera Perdida (1997)
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El aspecto de esta retorcida historia doble es brillante. Desde la claustrofobia de la casa de Fred y Renee hasta la oscuridad de la noche desértica, los efectos visuales de Carretera perdida son de una belleza indudable. La banda sonora también es excelente, con fantásticas elecciones musicales como I'm Deranged de David Bowie en la maníaca secuencia de créditos iniciales.

La historia en sí es un viaje salvaje que te vende una idea y luego da un giro y te envía en una dirección completamente diferente, sólo para llevarte a algún lugar cerca de donde empezaste. En el sentido más estricto, se trata de una narración cíclica muy tradicional, pero lo que ocurre dentro del ciclo dista mucho de lo que uno espera.

El saxofonista de jazz que interpreta Bill Pullman es sometido a una serie de acontecimientos de pesadilla, incluida una secuencia realmente aterradora en una fiesta con el Mystery Man de Robert Blake (una de las creaciones más aterradoras de Lynch), que culmina con su metamorfosis en Balthazar Getty, cuya vida no tiene más éxito. Ambos protagonistas masculinos, junto con Robert Loggia en plena forma como el gángster Mr Eddy, también parecen estar a merced de diferentes encarnaciones de la brillantemente distante Patricia Arquette.​

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Aunque Lost Highway es una película cautivadora, carece de empatía con sus personajes. No hay nadie, salvo Getty, con quien el público pueda simpatizar, e incluso él parece una víctima apática. En su lugar, tenemos un grupo de personajes que son tratados como especímenes en un frasco para ser observados y jugar con ellos. Esto sirve para distanciarnos de lo que está pasando y quizás no nos importe tanto como debería.


7. Corazón salvaje (1990)
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A diferencia del frío distanciamiento de Carretera perdida, Corazón salvaje nos ofrece personajes con los que podemos identificarnos. La pareja central, Sailor y Lula, de la novela de Barry Gifford, son interpretados con adorable ingenuidad e intensidad por Nicolas Cage y Laura Dern, esta última una elección controvertida en su momento.

Muchos pensaron que Dern no sería capaz de transmitir el personaje de Lula, pero demuestra ser perfecta en el papel. Cage y Dern forman una pareja que se compenetra a la perfección en medio de muchos problemas. Harry Dean Stanton también está brillante como Johnnie Farragut, aunque su personaje no tiene mucho espacio para desarrollarse.

Hay un interesante contraste creado por actos de inocencia infantil, como el collar de caramelos que Sailor regala a Lula, desequilibrado por momentos de extrema violencia como la muerte de Bob Ray Lemon. Esto funciona en su mayor parte, pero a veces lleva las expectativas demasiado lejos. La imaginería del Mago de Oz que recorre la historia también puede parecer un poco forzada.

Lynch muestra la tortura de sus amantes a través de la inserción, en su punto más bajo, de una enfermedad en la forma del grotesco Bobby Perú de Willem Defoe. Su llegada recuerda a la tentación de Jesús en el desierto.​

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Sailor y Lula están sin dinero y atrapados en el infierno desértico de Big Tuna cuando Perú se introduce en sus vidas y trata de llevarlos, con varios niveles de éxito, a su nivel. Ni que decir tiene que salen, afortunadamente ilesos, y se nos ofrece un final feliz que diverge del material original de Gifford.

Al igual que el indulto de Clarence y Alabama en True Romance, de Tony Scott, unos años más tarde, Sailor y Lula también se reconcilian y tienen un futuro prometedor. El final se ve a través de los ojos de su hijo y existe la cariñosa idea de que tienen la fuerza para ser buenos padres.


6. The Straight Story (1999)
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Quizás la obra más cálida de Lynch, esta película se ciñe bastante a los hechos reales en los que se basa. Alvin Straight, de 73 años, magníficamente interpretado por Richard Farnsworth en su último papel, emprende con su cortacésped un viaje de 400 millas a través de Iowa y Wisconsin para visitar a su hermano, que ha sufrido un derrame cerebral.​

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El título indica la sensación general de la obra. Se trata de un viaje directo, que en realidad se rodó en plano secuencia. Farnsworth luchó valientemente contra el cáncer de huesos y la parálisis para dar vida a las luchas de un protagonista en lo que para otros sería una propuesta extremadamente sencilla. Por el camino conoce a un montón de personajes, explora algunas de sus motivaciones y dispensa sabiduría a quienes la necesitan.

Los espacios abiertos de Corazón salvaje también están presentes aquí, pero se tratan como lugares mucho más cálidos e indulgentes. Por todas partes hay signos de humanidad y una naturaleza salvaje que ha sido domesticada. La visión más esperanzadora que Lynch nos ha dado nunca se materializa brillantemente en la calidez, la cortesía y el respeto de los personajes que Alvin conoce a lo largo de su viaje.

Esto, combinado con la magnífica banda sonora de Angelo Badalamenti, crea una inmensa positividad y esperanza. El mensaje de que la vida también es trágica lo acentúa aún más. Más allá de dos hermanos que no se hablan desde hace diez años, también están los oscuros recuerdos y la culpa de Alvin por sus experiencias en la guerra y la trágica historia de su hija, cada una de ellas interpretada tan sutilmente que provoca lágrimas en el espectador desprevenido.

The Straight Story es una película hermosa, una historia sencilla bien contada. Picasso, además de su obra experimental, pintaba bellos paisajes, y aquí Lynch demuestra que puede contar una historia sencilla con garbo, cuidado y belleza.


5. The Elephant Man (1980)
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No es muy conocido que David Lynch colaboró con Mel Brooks para llevar a la pantalla la historia real de Joseph Merrick. Esta película, quizá más que ninguna otra obra de Lynch, trata sobre la humanidad y la belleza que llevamos dentro.
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Cuenta la historia de un joven cirujano, Frederick Treves (interpretado por Sir Anthony Hopkins), que encuentra al Hombre Elefante (John Hurt) terriblemente maltratado en un espectáculo de fenómenos en Londres y lo contrata para que participe en una de sus conferencias. A lo largo de la película, Treves desarrolla un estrecho vínculo con su paciente y se esfuerza por darle felicidad a través de cuidados y ánimos.

Hurt hace un trabajo fantástico, sobre todo teniendo en cuenta el peso del maquillaje y las prótesis que tuvo que soportar para el rodaje. El maquillaje fue tan eficaz que llevó a la creación de un nuevo premio de la Academia al año siguiente, ya que mucha gente estaba disgustada por el hecho de que no se reconociera en absoluto el trabajo de Christopher Tucker. Hopkins también está muy bien en el papel de Treves, aunque aparentemente encontró la bondad del papel bastante aburrida.​

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El hombre elefante adolece un poco de un exceso de sentimentalismo. Se basa en gran medida en las memorias del propio Treves y algunos detalles de la vida de Merrick son inventados. Por ejemplo, Merrick nunca fue maltratado por su socio en el espectáculo de fenómenos y vivía bastante cómodamente incluso antes de su ingreso en el Hospital de Londres, lo que deja un sabor ligeramente agrio al sentir cierta manipulación de los sentimientos. Sin embargo, nada de esto resta fuerza al conjunto de la película.

La fotografía de Freddie Francis confiere un realismo visceral a las calles de Londres. La banda sonora también es maravillosa. Entre las muchas secuencias destacadas, la escena final de Merrick, interpretada con el Adagio para cuerdas de Barber, es realmente desgarradora. Esta es una película de Lynch en la que todo funciona en concierto para convertirse en algo mágico.


4. Mulholland Drive (2001)
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En 2001, Lynch estrenó esta oscura historia de intrigas hollywoodienses que había estado en desarrollo desde principios de los años noventa. En un principio iba a ser un spin-off de Twin Peaks, con Audrey Horne como personaje central. Tras el rechazo del episodio piloto, Lynch se puso manos a la obra para adaptarlo al cine.

Mulholland Drive, elegida recientemente mejor película del siglo XXI en una encuesta de BBC Culture, es un viaje maravilloso que desafía las expectativas y nos echa en cara las convenciones. Quizá el mejor ejemplo de ello sea Betty (Naomi Watts) en la escena de la audición. Al público se le ha vendido una historia y unos personajes y se le ha hecho esperar que esta escena vaya en una dirección.​

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Todos hemos visto la historia de la joven actriz que intenta triunfar en Hollywood y no estamos preparados para lo que ocurre a continuación: Betty se transforma instantáneamente en una mujer fatal y lleva el guión de la película de la semana que está leyendo por un camino muy oscuro. Esto se interpreta perfectamente para el público, que es completamente susceptible. Lo mismo ocurre en la escena del Club Silencio.

Lo mejor de Mulholland Drive es que elude casi cualquier intento de deconstrucción sin dejar de aferrarse a una estructura narrativa. A lo largo de la película se suceden una serie de episodios contrastados. Algunos son realmente escalofriantes, como el viaje a la trastienda de Winkie's. Otros muestran humor negro al estilo de Tarantino: el asesino a sueldo contra la aspiradora, por ejemplo.

La película comparte algunos temas y elementos de la historia con Inland Empire. Lo que eleva Mulholland Drive más allá de esto es su capacidad para mantener la historia en el primer plano de la mente del espectador. Aunque se trate de un misterio, nos senaces de conjeturar sobre él.


3. Twin Peaks: Fire Walk With Me (1992)
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Tras la cancelación de Twin Peaks, su innovador programa de televisión y el de su coguionista Mark Frost, Lynch llevó al cine una precuela centrada en los últimos siete días de la vida de Laura Palmer, la reina del baile asesinada. La mayor parte del reparto de la serie se reunió con el apoyo de nuevas caras como Chris Isaak, Kiefer Sutherland y el fallecido David Bowie.

El resultado fue un shock tanto para los fans de la serie de televisión como para los que llegaban a la película sin contexto. Para los fans, fue un shock ver que faltaban los aspectos más extravagantes y suaves de la serie, así como muchos de los personajes favoritos de los fans; para los que no conocían la serie de televisión, fue un enigma impenetrable. El resultado fue una reacción crítica que hirió profundamente a Lynch.​

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Sin embargo, los críticos no se dieron cuenta de que Lynch siempre había tenido la intención de desviarse radicalmente de la serie de televisión. Debería ser obvio para los espectadores cuando un televisor se hace pedazos al final de los créditos iniciales.

En Fire Walk With Me, tenemos una película hipnótica, cruda y completamente desquiciada. Lynch eliminó todos los aspectos secundarios de la serie y nos dejó con una herida expuesta en el corazón de todo: la tortura y el descenso de una joven. Sheryl Lee interpreta brillantemente a esa niña, en una actuación que un crítico calificó de "intensidad operística".

La película es aterradora en algunos momentos, y contiene muchas escenas memorables unidas por algunos de los mejores trabajos musicales de Angelo Badalamenti. Los temas oscuros de la película, que desanimaron a muchos espectadores y críticos, son difíciles de asimilar y tienen mucho en común con los horrores de Eraserhead.

Resulta extraño, por tanto, que a Eraserhead se le permita tanta libertad en este terreno, quizá debido a sus representaciones surrealistas, mientras que Fire Walk With Me era demasiado real para que la gente pudiera enfrentarse a ella en su propia mente.


2. Eraserhead (1977)
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Este primer largometraje de Lynch tardó casi cinco años en completarse y es una de las visiones más crudas y pesadillescas jamás llevadas a la pantalla. Un páramo industrial desolado es el telón de fondo de una horrible historia de paternidad no planificada.

Henry Spencer (Jack Nance) sale de vacaciones de su trabajo en una fábrica cuando es invitado a cenar a casa de su novia, Mary. Una vez allí, le informan de que Mary ha tenido un hijo suyo y que tendrá que mudarse con él. El "bebé" es una grotesca forma mutada que llora día y noche, lo que lleva a Mary a marcharse y pone a Henry a su cargo.
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Como padre, esta es una película increíblemente difícil de ver, con algunas imágenes impactantes, pero eso no resta mérito a los impresionantes logros no sólo de Lynch, sino también de su equipo. Alan Splet hizo cosas fantásticas con Lynch en la creación del paisaje sonoro de la película; Herb Cardwell y Fred Elmes hicieron lo propio con su trabajo de cámara, creando un aspecto profundamente prohibitivo, similar al cine negro de los años cuarenta.

Los promotores de la película pensaron en un principio que se trataba de un cortometraje de unos 20 minutos, pero no habían tenido en cuenta la escasez de diálogos y la fascinación de Lynch por las imágenes y los efectos visuales. El título de la película proviene de una extraña y brillante secuencia de pesadilla en la que la cabeza de Henry es pateada y finalmente encontrada por un niño que la lleva a la fábrica. Allí la transforman en gomas de borrar para las puntas de los lápices.

La película da muchos giros hacia lo surrealista y no carece de humor. La escena de la cena con los padres de Mary es un gran ejemplo del humor negro que Lynch inyecta en los temas más sombríos. Sin embargo, la pieza central de la película será siempre el bebé de otro mundo, un glorioso y horrible ejemplo de lo grotesco.



1. Blue Velvet (1986)
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Blue Velvet, la mejor película de Lynch hasta la fecha, se encuentra en ese panteón de películas que pueden calificarse de impecables. De acuerdo, quizá ese petirrojo animatrónico del final es un poco raro, pero aparte de eso, hay muy poco. La historia es sencilla: el joven Jeffrey Beaumont, que vuelve de la universidad para visitar a su padre enfermo, encuentra una oreja cortada en un descampado detrás de su casa. Se la lleva al detective local y se ve arrastrado a un mundo oculto de misterio, intriga y peligro.

Kyle Maclachlan interpreta muy bien el papel central, inyectando justo el tipo de entusiasmo de "explorador de águilas" que se necesita, combinado con la cuestionable moralidad que lleva a su compañero de crimen a preguntarle si es "un detective o un pervertido". El viaje de Jeffrey hacia lo desconocido le pone en contacto con una mujer maltratada, Dorothy Vallens (Isabella Rosselini), que necesita ayuda desesperadamente.
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Jeffrey no tiene la madurez emocional para darle lo que necesita, sino que cae en un patrón similar de abuso con ella. La relación se ve amenazada por la llegada de uno de los mayores villanos de Lynch: Frank Booth, interpretado con salvaje abandono por Dennis Hopper.

Jeffrey lleva a cabo su propia fantasía detectivesca con el telón de fondo del sufrimiento real, haciéndose cada vez más consciente de lo que ocurre bajo el barniz de civismo que existe en su pequeña ciudad natal de Lumberton. Lynch tomó esta idea de los secretos que se esconden tras las vallas blancas y la amplió en Twin Peaks, pero aquí se condensa en una visión singular e impactante.

La brutalidad de Frank y sus socios se compensa maravillosamente con los mohines de celos del futbolista despechado de su aspirante a novia Sandy cuando obliga a Jeffrey a salirse de la carretera para reñirle. Una situación que sería muy estresante en otra película resulta casi cómica en su banalidad hasta que aparece la maltratada Dorothy y todas las partes se dan cuenta de lo que realmente es "serio".​

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La relación con Sandy es otro ejemplo de la cuestionable moralidad de Jeffrey que le lleva a meterse en problemas. Aquí tenemos a alguien joven, impulsivo y atraído por explorar lo oculto. Es un guía maravilloso, ya que podemos ver lo imperfecto que es en sí mismo.

Blue Velvet es una película realmente maravillosa, que cuenta historias sencillas y las infunde con grandes interpretaciones e ideas abominables para crear algo que se asoma al corazón oscuro de la sociedad, pero que ofrece una posible salvación al final.​


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Este ranking de las películas de David Lynch es una cuestión subjetiva.

Así que:
¿Qué película de Lynch debería liderar el ranking? :pepeinspect:

¿Cuál de estas películas conoces? 🎥💬
 
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