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Miembro Maestro
Del 16 al 27 de mayo, la 76ª edición del festival más prestigioso del mundo del cine presentó un programa de competición repleto de obras de autores de renombre mundial, estrenos veraniegos de gran repercusión y títulos que ya se perfilan como grandes candidatos a los premios del próximo otoño.
Harrison Ford recibe Palma de Oro Honorífica en Cannes
El festival también tuvo ocasión de conceder a Harrison Ford una Palma de Oro honorífica, ya que recogió por última vez su icónico látigo y fedora en la quinta y supuestamente última entrega de la saga Indiana Jones.
Martin Scorsese acudió por primera vez desde 1976
Martin Scorsese acudió por primera vez desde 1976 al glamuroso balneario para inaugurar el certamen con "Los asesinos de la flor de la luna", una de las películas más esperadas.
Con los premios entregados, la alfombra roja desplegada y un amplio abanico de títulos por ver en 2023, he aquí un resumen de los estrenos de Cannes que deberías ver.
1. The Zone of Interest (Jonathan Glazer)
"Under the Skin" es un acto difícil de seguir, pero el inconformista director Jonathan Glazer (que no ha perdido su toque a pesar de un paréntesis de una década) parece haberlo conseguido con "The Zone of Interest".
Adaptación de la novela homónima de Martin Amis, el drama sobre el Holocausto de Glazer recibió el Gran Premio de este año y debería desafiar la noción, ampliamente atribuida a Truffaut, de que no existe tal cosa como una película antibelicista. Sin sentir nunca la necesidad de mostrar ninguna atrocidad de primera mano, "Zona de interés" teje una escalofriante meditación sobre la naturaleza del mal a través de la vida doméstica del oficial nazi Rudolf Höss, que pasa tiempo de calidad con su familia en la campiña polaca, a sólo cien metros y una alambrada de espino del campo de exterminio que supervisa. En un género en el que la mayoría de las películas son más técnicas o buscan el susto fácil, el último experimento de Glazer, una especie de cruce entre Terrence Malick y Michael Haneke, resulta desarmante por la forma en que se limita a insinuar el horror que acecha bajo su benigna superficie.
2. Killers of the Flower Moon (Martin Scorsese)
Ha sido un camino largo y lleno de baches hasta llegar a la epopeya de Martin Scorsese, que ha costado 200 millones de dólares (de hecho, cuando se estrene en octubre, habrán pasado casi dos años desde que terminó la producción), pero parece que ha merecido la pena. A pesar de proyectarse fuera de concurso, la película más taquillera fue "Killers of the Flower Moon", un extenso thriller policíaco protagonizado por Robert De Niro, Leonardo DiCaprio y Lily Gladstone que explora una serie de asesinatos de la nación petrolera Osage en la Oklahoma de los años veinte.
La producción de Apple TV+ fue recibida con una gran ovación de nueve minutos en el Palais y, por su aspecto, parece el tipo de película por la que merece la pena sentir dolor. Con una duración de 206 minutos, la película teje una red de codicia, riqueza y engaño en el marco de un thriller de conspiraciones del siglo XX que capta el pasado podrido de Estados Unidos y, al mismo tiempo, habla del presente del país. Hay ciertos cineastas por los que lo dejas todo, y cuando es el bueno de Martin quien lleva el timón, pisas el freno con más fuerza que nunca. Octubre no puede llegar lo bastante rápido.
3. May December (Todd Haynes)
Si hubiera que señalar a un director estadounidense contemporáneo que se haya movido con mayor coherencia en torno a los contornos del melodrama, quizá nadie sería mejor elección que Todd Haynes.
Aunque a menudo se le considera el heredero espiritual de Douglas Sirk por su forma de combinar el pastiche con el comentario social, Haynes ha conjurado el fantasma de Ingmar Bergman para su última película. "May December" supone la quinta colaboración del director con Julianne Moore, que interpreta con solvencia a Gracie, una ex profesora convicta que décadas atrás se convirtió en objeto de un escándalo sensacionalista nacional tras mantener una aventura con uno de sus alumnos del instituto. Natalie Portman interpreta a una actriz de Hollywood que quiere pasar algún tiempo con Gracie para preparar su papel en una adaptación cinematográfica.
La película, que fue adquirida por Netflix poco después del festival, puede parecer una mezcla de "Persona" y "Sunset Boulevard", con un poco de chulería de los hermanos Coen. Si eso no le parece un título que merezca la pena, espere que tanto Portman como Moore reciban una gran acogida en los Oscar el próximo otoño por sus interpretaciones ganadoras.
4. Fallen Leaves (Aki Kaurismäki)
Muchos afirman que una vez que has visto una película de Aki Kaurismäki, las has visto todas. Sin embargo, ¿cómo resistirse a una nueva propuesta de la leyenda finlandesa, que aún no nos ha decepcionado en los últimos cuarenta años? Los que ya profesan la fe en Kaurismäki encontrarán en "Hojas caídas" una especie de coda sentimental a su llamada "trilogía del proletariado". La ganadora legítima del Premio del Jurado de este año, impregnada de un humor inexpresivo y un ingenio irónico, es sorprendentemente desenfadada, conmovedora y sin duda la película más divertida de toda la programación de 2023.
Con la inminente invasión ucraniana como telón de fondo, la historia sigue la improbable relación que surge entre dos vagabundos sin suerte: un trabajador de supermercado que acaba de ser despedido por robar bocadillos y un guardia de seguridad con problemas con la bebida. Decorados minimalistas, escenas cotidianas, ingenio inexpresivo... Sólo Kaurismäki podía ofrecernos un encuentro romántico en el que dos almas perdidas encuentran consuelo yendo juntas al cine a ver una película de zombis dirigida por Jim Jarmusch.
5. Anatomy of a Fall (Justine Triet)
Las ruedas de la justicia giran lentas pero constantes en el fascinante drama judicial de Justine Triet, que fue elegido por NEON y convirtió a la cineasta francesa en la tercera mujer en llevarse a casa el máximo galardón de la historia del certamen, después de Jane Campion y Julia Ducournau.
En las dos horas y media que dura "Anatomía de una caída", no hay un solo momento en el que uno no se cuestione la presunta inocencia o culpabilidad de la novelista alemana Sandra (una Sandra Hüller en el mejor momento de su carrera, que también hizo las delicias de los expertos en "La zona de interés"), obligada a defenderse ante un tribunal cuando se convierte en la principal sospechosa del asesinato de su marido. La genialidad del gélido drama de Trier reside no sólo en el hecho de que no deja de confundir al espectador a cada paso, sino sobre todo en que desafía las nociones de verdad y justicia al permitir que cada espectador saque sus propias conclusiones. Si profundizamos un poco más, encontraremos una incisiva deconstrucción de un matrimonio disfuncional y un trauma infantil bajo la apariencia de un thriller legal hitchcockiano. No se la pierda.
6. Asteroid City (Wes Anderson)
La última vez que se estrenó una película de Wes Anderson en Cannes, los resultados no fueron muy alentadores. Pero olvidémonos de "The French Dispatch": una nueva propuesta de un director de su calibre siempre es motivo de celebración, y más teniendo en cuenta el asombroso talento del que dispone. En "Asteroid City", recién llegados como Scarlett Johansson, Tom Hanks, Margot Robbie y Maya Hawke aportan su encanto y completan un reparto de lujo en el que también figuran habituales de Anderson como Jason Schwartzman, Tilda Swinton y Ed Norton.
Con once películas a sus espaldas, el cerebro de "Rushmore" y "Los Tenenbaums Reales" ha desarrollado uno de los sellos autorales con más personalidad estilística de todo el cine. Su última película, ambientada en un pueblo ficticio del suroeste a mediados de los años 50 que sufre una invasión alienígena que puede o no ser falsa, no convencerá a los espectadores que aún no se hayan enamorado de su nítido trabajo de cámara, sus diálogos caprichosos y su humor fuera de lo común. Sin embargo, si te consideras un fan de Wes, "Asteroid City" es una magnífica adición a su canon personal que nunca se queda atrás y funciona mucho mejor de lo que debería.
7. Monster (Hirokazu Kore-eda)
Si Hirokazu Kore-eda, ganador de la Palma de Oro, ha conseguido fijar su residencia permanente en la Riviera Francesa durante los últimos 25 años, se debe en gran parte al hecho de que aún no ha dado muestras de desaceleración. Recién estrenado en francés y coreano, el prolífico maestro no ha perdido el tiempo y ha vuelto a rodar en su país desde "Shoplifters", con otro drama familiar devastador, esta vez centrado en una madre soltera que sospecha que algo va mal con su hijo adolescente.
Quizá más impresionante que la vertiginosa velocidad a la que el cineasta japonés sigue produciendo película tras película es el hecho de que siga sorprendiéndonos al explorar temas familiares de formas nuevas y refrescantes. Ganadora de la Palma Queer y del premio al mejor guión, "Monster" es otra historia sencilla sobre gente corriente y una elegante destilación de una carrera de 30 años dedicada a los marginados y los inadaptados. Cualquier otro director mataría por hacer una película la mitad de detallada y compasiva que ésta; para Kore-eda, sin embargo, no es más que otro paseo por el parque.
8. La Chimera (Alice Rohrwacher)
En lo que en principio iba a ser una semana de celebración de todo lo relacionado con "Indiana Jones", ¿quién iba a imaginar que Josh O'Connor le robaría el protagonismo a Harrison Ford interpretando al arqueólogo-cazador de tesoros más adorable de toda la programación de Cannes?
En "La quimera", un drama trepidante dirigido por Alice Rohrwacher, el antiguo alumno de "The Crown" interpreta a Arthur, un enigmático y estoico inglés con el corazón encogido y un talento especial para encontrar tesoros antiguos. Recién salido de la cárcel, Arthur conoce a un grupo de "tombaroli", enterradores clandestinos que vagan por la Italia de los años 80 robando objetos y saqueando cementerios sagrados. No es que no se sostenga firmemente por sí misma, pero si ver a un octogenario Harrison Ford golpear nazis por enésima vez no te hace subir la adrenalina (o si, como nosotros, deseas que Indiana Jones aborde los dilemas morales de su particular línea de trabajo), este gran descubrimiento de la izquierda debería rascarte esa comezón.
9. Perfect Days (Wim Wenders)
Había muchas esperanzas puestas en el último estudio de carácter de Wim Wenders, el pilar del Nuevo Cine Alemán que conquistó la Croisette hace casi 40 años con "Paris Texas", en lo que se considera un impresionante escaparate para Koji Yakusho.
El legendario actor japonés de "Cure" y "Tampopo" conquistó los corazones del jurado y se llevó a casa los honores al Mejor Actor por su tranquila, sutil y conmovedora interpretación de Hirayama, un modesto conserje de baños de mediana edad que vive una vida sencilla en Tokio. Al detallar meticulosamente las estrictas rutinas diarias de Hirayama, un hombre de placeres sencillos y filosofía casi monacal, W
enders ofreció su historia más contemplativa y melancólica desde "Las alas del deseo", de 1987. "Días perfectos" es un estudio sobre la inmovilidad y la contención que podría echar para atrás a los espectadores más modestos por su enorme parquedad, pero la película te atrapa sigilosamente y te deja una firme impresión cuando terminan los créditos.
10. The Pot-au-Feu (Tran Anh Hung)
El director franco-vietnamita Tran Anh Hung dio a todos los miembros del jurado de Cannes algo por lo que babear con su primera película en casi ocho años. Inspirada en clásicos de la gastronomía como "Eat Drink Man Woman", "Tampopo" y, sí, "Ratatouille", "The Pot-au-Feu" es una suntuosa comida cinematográfica que parte de un entusiasmo genuino por el arte de la cocina y construye toda una narración en torno a él.
Las líneas maestras de la narración giran en torno al "Napoleón de las artes culinarias", un reputado chef francés de mediados del siglo XIX llamado Dodin Bouffant, que poco a poco se enamora de su compañera de cocina Eugenie (Juliette Binoche, habitual de Cannes). El exquisito carrusel de apetitosas secuencias culinarias de la película no sólo es un deleite visual en sí mismo, sino una forma eficaz de hacer avanzar la historia y de tender puentes entre los personajes. Aunque a algunos les resulte demasiado almibarada para sus papilas gustativas, "The Pot-au-Feu" debería ser bien recibida por el público este otoño.
Las líneas maestras de la narración giran en torno al "Napoleón de las artes culinarias", un reputado chef francés de mediados del siglo XIX llamado Dodin Bouffant, que poco a poco se enamora de su compañera de cocina Eugenie (Juliette Binoche, habitual de Cannes). El exquisito carrusel de apetitosas secuencias culinarias de la película no sólo es un deleite visual en sí mismo, sino una forma eficaz de hacer avanzar la historia y de tender puentes entre los personajes. Aunque a algunos les resulte demasiado almibarada para sus papilas gustativas, "The Pot-au-Feu" debería ser bien recibida por el público este otoño.
Fuente: www.tasteofcinema.com
