Hydra
Miembro Maestro
Junto a las comedias, más que ninguna otra, el género de terror ha sido históricamente infravalorado, percibido injustamente como cómico y prescindible. A pesar de la validez de sus seguidores devotos, los críticos más duros llegan a anular el propósito del horror, burlándose de él. Lo que no han reconocido es que, más allá del artificio arbitrario, estas historias son recipientes excepcionales para la sabiduría de importancia literaria y social. Frankenstein (1931) habló de discriminación externa. La noche de los muertos vivientes de George Romero ( 1968 ) examinó el racismo en los Estados Unidos y el amanecer de los muertos ( 1978 ) analizó el consumismo.
Artistas como Romero demostraron que las piezas de género no solo pueden igualar la importancia de las llamadas películas y libros de alto arte ‘literarios’, sino que también pueden superarlas. Además de entregar mensajes alegóricos esenciales, son principalmente entretenimiento apasionante de la cultura pop.
Artistas como Romero demostraron que las piezas de género no solo pueden igualar la importancia de las llamadas películas y libros de alto arte ‘literarios’, sino que también pueden superarlas. Además de entregar mensajes alegóricos esenciales, son principalmente entretenimiento apasionante de la cultura pop.
1. Race With the Devil (Jack Starrett, 1975)
2 parejas (Warren Oates, Loretta Swit, Peter Fonda, Lara Parker ) se toman unas vacaciones en una casa rodante. Parando por la noche en un río en la zona rural de Texas, se encuentran con un culto a paganos asesinos que los persiguen por todo el estado.
En primer lugar, la raza con el diablo insidiosa y dirigida por expertos es una personificación perfecta de la paranoia. Esta faceta se ilustra mejor cuando el personaje de Lara Parker va a nadar a una piscina, solo para mirar hacia arriba y ver a una horda de personas mirándola sin comprender. La misma ominosidad afecta a los protagonistas donde sea que visiten, lo que implica a todos como posibles enemigos. En efecto, el rasgo hace que Race With the Devil sea profundamente resonante y veraz, tan conmovedor hoy como lo fue en ‘ 75. Esto se subraya aún más por el clima de desconfianza de la era Watergate en el que se produjo la película.
La impresión de paranoia habla de un miedo primario a los demás, sin saber en quién podemos confiar en un mundo malicioso. Race With the Devil juega como la pesadilla de un individuo contada a través del cine. Con un guión bien escrito y excelentemente escrito, combina géneros de películas de acción y de carretera con horror para abarcar algunas de las persecuciones de autos más impresionantes y infundidas por explosiones de los años 70.
En primer lugar, la raza con el diablo insidiosa y dirigida por expertos es una personificación perfecta de la paranoia. Esta faceta se ilustra mejor cuando el personaje de Lara Parker va a nadar a una piscina, solo para mirar hacia arriba y ver a una horda de personas mirándola sin comprender. La misma ominosidad afecta a los protagonistas donde sea que visiten, lo que implica a todos como posibles enemigos. En efecto, el rasgo hace que Race With the Devil sea profundamente resonante y veraz, tan conmovedor hoy como lo fue en ‘ 75. Esto se subraya aún más por el clima de desconfianza de la era Watergate en el que se produjo la película.
La impresión de paranoia habla de un miedo primario a los demás, sin saber en quién podemos confiar en un mundo malicioso. Race With the Devil juega como la pesadilla de un individuo contada a través del cine. Con un guión bien escrito y excelentemente escrito, combina géneros de películas de acción y de carretera con horror para abarcar algunas de las persecuciones de autos más impresionantes y infundidas por explosiones de los años 70.
La apasionante y citable Raza con el diablo puede haber desarrollado un seguimiento de culto, pero su tremenda calidad insiste en que debe ser aclamado contemporáneamente como un notable clásico de terror. Su influencia se puede sentir impregnando en todas partes en todo el género, en particular los más prominentes The Hills Have Eyes (1977).
Race With the Devil es fácilmente una de las mejores y más subestimadas películas de terror de todos los tiempos, que posee un final escalofriante.
2. Burnt Offerings (Dan Curtis, 1976)
La familia Rolf (Oliver Reed, Karen Black, Bette Davis, Lee H. Montgomery) pasa el verano en una vieja casa remota. A medida que ocurren más y más eventos extraños, la casa sensible comienza a poseer a la familia.
Lo que hace que Burnt Offering se destaque como una película verdaderamente aterradora es cómo, como caer en un sueño lúcido, su realidad fundamentada se convierte en una pesadilla surrealista y al estilo Dalí. Como una quemadura lenta y resistente al estado de ánimo, su refrescante incumplimiento de la sangre se justifica por el matiz de su tono espeluznante y las alteraciones inquietantes de la vida real. Las caras cambiantes de las fotos enmarcadas en blanco y negro. La anciana Marian (Karen Black) deja las comidas, encerrada en su habitación. Una enmienda a los miembros de la familia, comportamientos, discursos y personalidades.
Lo que hace que Burnt Offering se destaque como una película verdaderamente aterradora es cómo, como caer en un sueño lúcido, su realidad fundamentada se convierte en una pesadilla surrealista y al estilo Dalí. Como una quemadura lenta y resistente al estado de ánimo, su refrescante incumplimiento de la sangre se justifica por el matiz de su tono espeluznante y las alteraciones inquietantes de la vida real. Las caras cambiantes de las fotos enmarcadas en blanco y negro. La anciana Marian (Karen Black) deja las comidas, encerrada en su habitación. Una enmienda a los miembros de la familia, comportamientos, discursos y personalidades.
De este contexto, la escena más horrible y memorable es cuando Ben (Oliver Reed ) descubre un par de gafas agrietadas en el fondo de la piscina. Comienza a jugar felizmente en el agua con su amado hijo Davey (Lee H. Montgomery ), pero una fuerza interna comienza a títere a Ben. Aparentemente, sin darse cuenta de que va demasiado lejos, Ben ahoga a Davey y lo mantiene bajo el agua por más y más tiempo. Davey y Elizabeth (Bette Davis) le ruegan a Ben que se detenga, pero no parece escucharlos. Aparentemente pensando que todo sigue siendo un juego divertido, Ben se ríe, antes de que su rostro se transforme en la expresión sádica de una bestia.
Los académicos han interpretado las ofertas quemadas como una crítica del consumismo y el materialismo, además de ser una alegoría de la desintegración de la familia nuclear estadounidense. Metafóricamente, advierte la obediencia del individuo y la interfaz moral con los sistemas de control. Con una calificación del 50% en Rotten Tomatoes, Burnt Offerings no ha sido reconocido como un clásico del horror sobrenatural de los años 70 ‘, tan bueno como los títulos más famosos.
3. The Grapes of Death (Jean Rollin, 1978)
En una de sus películas más grandes y menos valoradas, Jean Rollin condimenta el subgénero zombie con sabor francés. En la región montañosa del Macizo Central, se rocía un nuevo pesticida sobre los vieñdos. Cuando los lugareños beben el vino, mutan en zombis.
Élisabeth (Marie-Georges Pascal) debe luchar por la supervivencia mientras huye por el campo para encontrar a su prometida.
A menudo, el éxito de una película de terror depende de si puede cultivar un aura adecuadamente melancólica. Las uvas de la muerte sobresalen en este departamento, engendrando un tono sombrío y solitario asistido por paisajes como lienzos petroleros del siglo XVIII. A diferencia de las películas de George Romero, aunque impotentes obligados a asesinar, los zombis de Rollin conservan una cierta cantidad de conciencia humana y exhiben remordimiento, alcanzando el pathos.
Élisabeth (Marie-Georges Pascal) debe luchar por la supervivencia mientras huye por el campo para encontrar a su prometida.
A menudo, el éxito de una película de terror depende de si puede cultivar un aura adecuadamente melancólica. Las uvas de la muerte sobresalen en este departamento, engendrando un tono sombrío y solitario asistido por paisajes como lienzos petroleros del siglo XVIII. A diferencia de las películas de George Romero, aunque impotentes obligados a asesinar, los zombis de Rollin conservan una cierta cantidad de conciencia humana y exhiben remordimiento, alcanzando el pathos.
Temáticamente, la película ofrece proféticamente una censura de la ruina ambiental de la humanidad. Su personalidad francesa está a la vanguardia, con una instancia de los zombis rapsodizando: “je t’aime!” Además de la nave “en movimiento” de Marie-Georges Pascal, está protagonizada por la fiel compañera de Rollin Brigitte Lahaie (Fascinación). En última instancia, The Grapes of Death es una obra de terror ingeniosa, afectuosa y no reconocida –, una adición ideal a la lista de observación de un fanático de los zombis.
4. The House by the Cemetery (Lucio Fulci, 1981)
La familia Boyle se muda de la ciudad de Nueva York a una casa antigua en la zona rural de Nueva Inglaterra, para que el Dr. Norman Boyle ( Paolo Malco ) puede realizar investigaciones. Su pequeño hijo Bob (Giovanni Frezza) se da cuenta de una entidad siniestra que reside en el sótano. Un cóctel de la casa embrujada, slasher y subgéneros zombis, The House by the Cemetery es dirigido por la musa del director Lucio Fulci: la subestimada Catriona MacColl, que interpreta a Lucy Boyle. Ella es apoyada por la desconcertante confederada de Dario Argento, Ania Pieroni.
The House by the Cemetery se lanzó el mismo año que ‘El padrino de Gore’ La obra maestra de Lucio Fulci, The Beyond, y se ha pasado por alto como una entrada de época en su filmografía. Si bien lentamente genera una atmósfera misteriosa y premonitoria, el clímax desgarrador y desgarrador hace que valga la pena esperar. Estéticamente, captura Massachusetts con fotografías melancólicas e invernales lavadas.
The House by the Cemetery se lanzó el mismo año que ‘El padrino de Gore’ La obra maestra de Lucio Fulci, The Beyond, y se ha pasado por alto como una entrada de época en su filmografía. Si bien lentamente genera una atmósfera misteriosa y premonitoria, el clímax desgarrador y desgarrador hace que valga la pena esperar. Estéticamente, captura Massachusetts con fotografías melancólicas e invernales lavadas.
La integración de elementos sobrenaturales inexplicables en la banalidad familiar, como una niña a la que solo Bob puede ver, convierte a The House by the Cemetery en una experiencia alucinante. A pesar de su juventud, la técnica de Giovanni Frezza es poderosa, superando a los actores adultos. Al igual que con todo el trabajo de Fulci, la casa del cementerio del campamento es encantadoramente cursi. Sin embargo, hoy, este hombre contribuye a la edad de oro de la película de terror, en lugar de restarle importancia a su disfrute. El material fue reinventado y rindió homenaje en We Are Still Here (2015).
5. Los señores de Salem (Rob Zombie, 2012)
En Salem, Massachusetts, la DJ de radio Heidi Hawthorne toca un disco inquietante, lo que la hace experimentar visiones de brujas vengadores. Pronto, estas visiones se metamorfosean de la historia al presente. Los Señores de Salem albergan un salón de la fama del ícono de terror: Ken Foree, Jeff Daniel Philips, Meg Foster, Patricia Quinn, Michael Berryman, Barbara Crampton, Lisa Marie, Udo Kier y Bruce Davison.
Al tallar la originalidad en un género que a menudo recurre a la derivatización, la película es una clara desviación de la propensión de Rob Zombie a la agonía a toda velocidad. Esta vez, compone terror inquietante e hinchable en lugar de horror. El margen inescrutable entre los sueños y la vida real se ensambla con sartenes rastreros, secuencias psicodélicas intermitentes, los monstruos excepcionalmente terroríficos.
Al tallar la originalidad en un género que a menudo recurre a la derivatización, la película es una clara desviación de la propensión de Rob Zombie a la agonía a toda velocidad. Esta vez, compone terror inquietante e hinchable en lugar de horror. El margen inescrutable entre los sueños y la vida real se ensambla con sartenes rastreros, secuencias psicodélicas intermitentes, los monstruos excepcionalmente terroríficos.
El ambiente se profundiza inolvidablemente por el canto apropiadamente cicatrizante e inductor de pesadilla desarrollado por John 5. Con respecto a su sustancia, The Lords of Salem examina los prejuicios sociales hacia los adictos a la heroína a través de un estudio humanista de Heidi. Además, analiza el puritanismo religioso y la opresión histórica de las mujeres. Junto a The Devil’s Rejects, The Lords of Salem no ha sido reconocido como la obra maestra barroca operística de Rob Zombie. También se adaptó a una novelización superventas.
6. The Green Inferno (Eli Roth, 2013)
En la universidad, Justine (Lorenza Izzo) se alista en un equipo de activistas ambientales. Se aventuran en la selva amazónica para sabotear las excavaciones, pero son capturados por una tribu de caníbales.
El Infierno Verde atrajo críticas negativas y controversias. Los críticos discreparon con lo que percibieron como un retrato discriminatorio de los indígenas amazónicos y una promoción del neocolonialismo. El director Eli Roth replicó: ''la idea de que una película ficticia sobre una tribu ficticia podría dañar de alguna manera a los pueblos indígenas cuando las compañías de gas están destrozando estas aldeas a diario es simplemente absurda. [Todo] suena como ira y frustración mal dirigidas de que las corporaciones son las que controlan el destino de estas tribus no contactadas''
Lo que está claro es que The Green Inferno tiene la intención de servir como una protesta ambiental contundente – una película de venganza indígena. Periodísticamente, la película dibuja cada personaje con ambigüedad moral y complejidad. Uno cambia entre alentar a los amazónicos a sus cautivos occidentales y viceversa. En términos de cine, The Green Inferno no merece su mala calificación.
El Infierno Verde atrajo críticas negativas y controversias. Los críticos discreparon con lo que percibieron como un retrato discriminatorio de los indígenas amazónicos y una promoción del neocolonialismo. El director Eli Roth replicó: ''la idea de que una película ficticia sobre una tribu ficticia podría dañar de alguna manera a los pueblos indígenas cuando las compañías de gas están destrozando estas aldeas a diario es simplemente absurda. [Todo] suena como ira y frustración mal dirigidas de que las corporaciones son las que controlan el destino de estas tribus no contactadas''
Lo que está claro es que The Green Inferno tiene la intención de servir como una protesta ambiental contundente – una película de venganza indígena. Periodísticamente, la película dibuja cada personaje con ambigüedad moral y complejidad. Uno cambia entre alentar a los amazónicos a sus cautivos occidentales y viceversa. En términos de cine, The Green Inferno no merece su mala calificación.
Por el contrario, es una película de terror estelar y mordaz, especialmente dado el guión significativo y su asalto implacable a las emociones. Tomando influencia del auge caníbal italiano de principios de los años 80 ‘, específicamente el Holocausto Caníbal ( 1980 ), el Infierno Verde implacablemente, sorprendentemente espeluznante. Solo los fanáticos experimentados del terror pueden no mirar una escena en la que una horda de aldeanos arañando a un hombre se come vivo, desplegando efectos prácticos convincentes.
7. Carnage Park (Mickey Keating, 2016)
La historia tiene lugar en el desierto de California, 1978. Durante un robo a un banco, Vivian (Ashley Bell) es tomada como rehén por los bandidos Scorpion Joe (James Landry Hébert ) y Lenny (Michael Villar). La película cambia géneros de crimen a horror. Perseguida por el desquiciado veterano de Vietnam Wyatt Moss (Pat Healy), Vivian se encuentra funcionando como presa en una caza de gatos y ratones.
En su neo-occidental,Mickey Keating se inspira en Sam Peckinpah, Rob Zombie, Battle Royale (2000), My Bloody Valentine (1981) y el posmodernismo de Quentin Tarantino. La influencia de este último es destacada en aspectos como el manejo del cine de explotación y el orden intermitente no lineal. Keating ofrece con éxito el espíritu sombrío de las películas de medianoche de los años 70 ‘, haciendo que su cuarto largometraje sea suntuoso para los espectadores que buscan un horror elegante y retro-harkening.
En su neo-occidental,Mickey Keating se inspira en Sam Peckinpah, Rob Zombie, Battle Royale (2000), My Bloody Valentine (1981) y el posmodernismo de Quentin Tarantino. La influencia de este último es destacada en aspectos como el manejo del cine de explotación y el orden intermitente no lineal. Keating ofrece con éxito el espíritu sombrío de las películas de medianoche de los años 70 ‘, haciendo que su cuarto largometraje sea suntuoso para los espectadores que buscan un horror elegante y retro-harkening.
Desde el punto de vista de la experiencia, la actuación superlativa y convincente de Ashley Bell encarna a la perfección el arco emocional del público. Además, el escalofriante pánico de la obra se intensifica con el característico uso de Keating de un diseño de sonido distorsionado y con eco. Carnage Park aborda la mala gestión psiquiátrica de la rehabilitación de veteranos militares traumatizados. El contexto de la guerra de Vietnam se evoca a través de la banda sonora de rock clásico del sudeste asiático, que contrasta con el paisaje.
Estas son solo algunas películas de terror. Estén atentos, que en próximos posts dare a conocer otras, que quizá les resulten mas interesantes o familiares.
¿Cuál de estas películas conoces?
Fuente: www.tasteofcinema.com/
Última edición:
