Hydra
Miembro Maestro
La psicodelia en el cine se caracteriza por la distorsión (tanto en la imagen como en el sonido), la experimentación en la narrativa y el montaje y, a veces, las alucinaciones inspiradas por las drogas. Al igual que las drogas psicoactivas, que producen percepciones sensoriales intensificadas y distorsión, las películas psicodélicas presentan a su público una visión desconocida y/o onírica de la realidad.
Las siguientes películas utilizan la cinematografía, la narración, el montaje, el diseño de sonido y la música para crear mundos de distorsión. Tanto si la película describe la locura inducida por las drogas como si crea una atomósfera de confusión existencial, estas películas experimentan de algún modo con las percepciones sensoriales del público para desarraigar al espectador de la realidad. Estas películas invitan (o, en algunos casos, obligan) al público a interactuar con una plétora de imágenes psicodélicas, sonidos y/o narración.
Las siguientes películas utilizan la cinematografía, la narración, el montaje, el diseño de sonido y la música para crear mundos de distorsión. Tanto si la película describe la locura inducida por las drogas como si crea una atomósfera de confusión existencial, estas películas experimentan de algún modo con las percepciones sensoriales del público para desarraigar al espectador de la realidad. Estas películas invitan (o, en algunos casos, obligan) al público a interactuar con una plétora de imágenes psicodélicas, sonidos y/o narración.
1. Un Chien Andalou (1929) dir. Luis Buñuel
Aunque el cortometraje surrealista clásico de Buñuel es precursor de la psicodelia, la narrativa distorsionada y las imágenes oníricas le confieren una presencia psicodélica que influyó en muchas películas posteriores. Su película es un ejemplo perfecto de surrealismo, un estilo artístico que utiliza el simbolismo y la irracionalidad de la mente inconsciente.
Un Chien Andalou fue la primera película de Buñuel, y fue escrita en colaboración con Salvador Dalí, el destacado pintor surrealista. La película comienza con un barbero que le abre el ojo a una mujer, como para sugerir al espectador que se deshaga simbólicamente de sus ideas preconcebidas y vea con nuevos ojos.
Los 20 minutos que siguen están ambientados con fragmentos del "Liebestod" de Wagner, una dramática pieza de ópera de Tristán e Isolda, que nunca llega a alcanzar el clímax, lo que hace que la película sea aún más desconcertante. Buñuel confunde al espectador saltando adelante y atrás en el tiempo con subtítulos que proclaman "Ocho años después" o "Hace dieciséis años".
Un Chien Andalou fue la primera película de Buñuel, y fue escrita en colaboración con Salvador Dalí, el destacado pintor surrealista. La película comienza con un barbero que le abre el ojo a una mujer, como para sugerir al espectador que se deshaga simbólicamente de sus ideas preconcebidas y vea con nuevos ojos.
Los 20 minutos que siguen están ambientados con fragmentos del "Liebestod" de Wagner, una dramática pieza de ópera de Tristán e Isolda, que nunca llega a alcanzar el clímax, lo que hace que la película sea aún más desconcertante. Buñuel confunde al espectador saltando adelante y atrás en el tiempo con subtítulos que proclaman "Ocho años después" o "Hace dieciséis años".
No hay un argumento manifiesto, sino más bien una amalgama de imágenes surrealistas. Se nos presenta una simbología religiosa distorsionada, como hormigas que salen de una mano estigmatizada del protagonista (un joven sin nombre interpretado por Pierre Batcheff), y escenarios oníricos -por ejemplo, el joven arrastrando un piano coronado por el cadáver de un burro y dos curas en su persecución de una joven (Simone Mareuil).
Estas imágenes, de naturaleza surrealista, crean una sensación distorsionada de la realidad, una cualidad que se encuentra en muchas películas psicodélicas.
2. The Red Shoes (1948) dir. Michael Powell y Emeric Pressburger
La clásica película de Michael Powell y Emeric Pressburger Las zapatillas rojas incorpora decorados y vestuario expresionistas, planos subjetivos desde el punto de vista y apasionadas interpretaciones para contar la historia de una joven, la bailarina Victoria Page (Moira Shearer), dividida entre su amor por un joven y su amor por la danza.
La secuencia de baile que se desarrolla hacia el final de la película cautiva al espectador con sus hipnotizantes paisajes pintados y planos POV que hacen aflorar de forma sublime los pensamientos y miedos subconscientes de Victoria.
Victoria "Vicky" Page es una joven bailarina de ballet con talento, ansiosa por entrar en una compañía. Conoce al feroz Boris Lermontov (Anton Walbrook), director de una renombrada compañía de ballet. Tras darse cuenta de su talento en una pequeña producción de El lago de los cisnes, Lermontov elige a Vicky para su ballet de Las zapatillas rojas, basado en el cuento de hadas de Hans Christian Andersen sobre una joven cuyas zapatillas rojas la poseen para bailar hasta la muerte.
Vicky conoce entonces al joven compositor del ballet, Julian Craster (Marius Goring) y ambos se enamoran, para angustia de Lermontov. Vicky se ve pronto atrapada entre los dos hombres, obligada a elegir entre el amor de su vida y la pasión por su arte.
3. Daisies (1966) dir. Věra Chytilová
Realizada durante el movimiento cinematográfico de la Nueva Ola Checa por la primera directora de Checoslovaquia, Daisies es una película experimental revolucionaria. Sin seguir una trama real, la película está protagonizada por dos jóvenes pícaras que se divierten (y causan problemas en el proceso).
Věra Chytilová pone patas arriba las costumbres sociales, ya que sus dos heroínas, ambas llamadas Marie (Jitka Cerhová e Ivana Karbanová), retozan durante toda la película sin ningún miramiento. Las dos Marías holgazanean en bikini y lencería, provocan el caos entre borrachos en un club nocturno y destruyen un banquete de lujo, entre otros actos subversivos.
Věra Chytilová pone patas arriba las costumbres sociales, ya que sus dos heroínas, ambas llamadas Marie (Jitka Cerhová e Ivana Karbanová), retozan durante toda la película sin ningún miramiento. Las dos Marías holgazanean en bikini y lencería, provocan el caos entre borrachos en un club nocturno y destruyen un banquete de lujo, entre otros actos subversivos.
La película explora diferentes tipos de película, incursiones espontáneas en el collage y otros juegos con el propio medio cinematográfico, creando una obra de arte muy consciente de sí misma. Prohibida en su estreno, la película muestra un juego destructivo que las autoridades checas consideraron peligroso. Hay un trasfondo político en la película, con imágenes de la Segunda Guerra Mundial intercaladas entre las travesuras de los personajes. Daisies despierta el interés del público con sus protagonistas y sus imágenes y montaje psicodélicos.
4. Point Blank (1967) dir. John Boorman
El thriller neo-noir de John Boorman, Point Blank es una película hipnótica de la sed de venganza de un hombre. El ritmo, las opciones de color y la música atmosférica, liderada por la interpretación inexpresiva de Walker de Lee Marvin, arrojan una experiencia fascinante para el espectador.
Disparado y muerto en la isla de Alcatraz, Walker regresa a San Francisco para vengarse y reclamar su mitad de un crimen que ayudó a cometer. Con la ayuda del misterioso Yost (Keenan Wynn), Walker emprende su viaje para la retribución.
En el camino, descubre que el hombre que lo perjudicó, Reese (John Vernon) no solo robó su dinero y lo dejó en Alcatraz, pero le robó a su esposa Lynn ( Sharon Acker ), quien ahora es un desastre depresivo y sin emociones que vive en la culpa por el doble cruce de Walker. Después de que Lynn tomara una sobredosis de dormir, Walker encuentra a la hermana de Lynn, Chris (Angie Dickinson), quien lo ayuda a acercarse a Reese.
El ritmo de la película, que va desde una atmósfera lenta y malhumorada hasta períodos de intensa violencia y acción, crea una hipnosis ardiente de la que el espectador se sorprende. El color juega un papel en el tono atmosférico de la película, por ejemplo, el apartamento gris plateado de Lynn refleja su carácter insensible y montado en la culpa.
Los trajes de Walker cambian de color según su ubicación, dándole una misteriosa cualidad de camaleón. La historia termina donde comienza, en la isla de Alcatraz, dejando la película ambigua sobre si los eventos que ocurren son un sueño, una realidad o si Walker es de hecho un fantasma.
Disparado y muerto en la isla de Alcatraz, Walker regresa a San Francisco para vengarse y reclamar su mitad de un crimen que ayudó a cometer. Con la ayuda del misterioso Yost (Keenan Wynn), Walker emprende su viaje para la retribución.
En el camino, descubre que el hombre que lo perjudicó, Reese (John Vernon) no solo robó su dinero y lo dejó en Alcatraz, pero le robó a su esposa Lynn ( Sharon Acker ), quien ahora es un desastre depresivo y sin emociones que vive en la culpa por el doble cruce de Walker. Después de que Lynn tomara una sobredosis de dormir, Walker encuentra a la hermana de Lynn, Chris (Angie Dickinson), quien lo ayuda a acercarse a Reese.
El ritmo de la película, que va desde una atmósfera lenta y malhumorada hasta períodos de intensa violencia y acción, crea una hipnosis ardiente de la que el espectador se sorprende. El color juega un papel en el tono atmosférico de la película, por ejemplo, el apartamento gris plateado de Lynn refleja su carácter insensible y montado en la culpa.
Los trajes de Walker cambian de color según su ubicación, dándole una misteriosa cualidad de camaleón. La historia termina donde comienza, en la isla de Alcatraz, dejando la película ambigua sobre si los eventos que ocurren son un sueño, una realidad o si Walker es de hecho un fantasma.
5. 2001: Una odisea del espacio (1968) dir. Stanley Kubrick
La obra maestra de ciencia ficción de Stanley Kubrick es una obra de arte brillante e impresionante. Las impresionantes imágenes de la película combinadas con la grandeza de las partituras de música clásica y la inquietante y disonante música vanguardista de György Ligeti produce una experiencia cinematográfica como ninguna otra. La exploración de Kubrick de la historia y el futuro de la humanidad excita los sentidos del espectador, ya que nos lleva a enfrentar la gran incógnita del espacio y el tiempo.
La película comienza con los albores del hombre cuando somos testigos de los primeros protohumanos que utilizan herramientas por primera vez en la historia. A través de un corte gráfico, la herramienta prehumana se convierte en una nave espacial y somos transportados al futuro a medida que los humanos han evolucionado y ahora son maestros de sus herramientas. La nave espacial está en una misión para investigar un objeto misterioso recientemente descubierto en un cráter lunar.
Un monolito negro gigante, también descubierto en la Tierra por los protohumanos anteriormente en la película, se cierne en este cráter. Debemos redescubrir este monolito negro nuevamente en la película. A continuación, estamos en el Discovery One, una nave espacial dirigida a Júpiter. Dr. David Bowman ( Keir Dullea ), Dr. Frank Poole (Gary Lockwood), y otros tres astronautas, en un estado de sueño cirogénico, están en una misión secreta guiada por la computadora parlante del barco, HAL 9000 (con la voz de Douglas Rain).
En este punto, el hombre pierde el control de sus herramientas, ya que la inteligencia de la computadora supera a la de los astronautas. Enfrentado a HAL, Bowman logra tomar el control de la nave y continúa solo en la misión, atravesando la naturaleza desconocida.
La secuencia Beyond the Infinite de la película con sus vetas de luz en el espacio y el coro disonante de Ligeti producen una experiencia intensamente psicodélica. El enigmático final de 2001 deja al espectador hechizado y sin palabras. Kubrick captura exquisitamente el viaje existencial del hombre hacia un territorio desconocido.
6. Easy Rider (1969) dir. Dennis Hopper
Easy Rider, una de las primeras películas de contracultura de Estados Unidos, captura el estilo de vida del movimiento hippie y cómo interactúa con la corriente principal. El director Dennis Hopper y el productor Peter Fonda también protagonizan este éxito cultural pop como dos motociclistas hippies que viajan a través del suroeste de Estados Unidos hacia el sur profundo. La película no solo es histórica en su representación de la contracultura, sino también en sus escenas realistas de drogas ( los actores realmente hirieron las drogas que sus personajes muestran usando ).
Wyatt (Peter Fonda) y Billy (Dennis Hopper) venden cocaína a un distribuidor y usan sus ganancias para financiar su viaje a Nueva Orleans para la próxima celebración del Mardi Gras. En el camino, los dos recogen a un autoestopista que los lleva a una comuna, llenos de jóvenes hippies que practican el amor libre y la vida compartida.
Continuando su viaje, los dos son arrestados en una ciudad local por “ desfilar sin un permiso. ” Allí, Wyatt y Billy se encuentran con George Hanson (Jack Nicholson), un abogado borracho en la cárcel. George los ayuda a salir de la cárcel y los tres reanudan su pilgrama a Mardi Gras. Los tres se enfrentan a las comunidades ignorantes, “ cuadradas ” en el Sur, que ven la presencia del trío como una amenaza.
La película hace un trabajo increíble capturando el clima sociopolítico de la época. Vemos de primera mano cuán temidos eran los hippies por la cultura dominante, y cómo la contracultura fue impulsada por un anhelo de libertad. Las escenas que representan el uso de drogas, especialmente la secuencia cemetaria en la que Wyatt y Billy arrojan ácido con dos prostitutas, Karen (Karen Black) y Mary (Toni Basil), dale a la película un componente intenso y desorientador.
La escena del LSD sin guión implica recortes de salto, diálogo desplazado, lleno de miedo y arrepentido, y una mezcla de imágenes distorsionadas, como el uso de una lente ojo de pez y primeros planos del sol. Las escenas psicodélicas mezcladas con el realismo del estilo documental le dan a la película un sentido palpable de la época.
Wyatt (Peter Fonda) y Billy (Dennis Hopper) venden cocaína a un distribuidor y usan sus ganancias para financiar su viaje a Nueva Orleans para la próxima celebración del Mardi Gras. En el camino, los dos recogen a un autoestopista que los lleva a una comuna, llenos de jóvenes hippies que practican el amor libre y la vida compartida.
Continuando su viaje, los dos son arrestados en una ciudad local por “ desfilar sin un permiso. ” Allí, Wyatt y Billy se encuentran con George Hanson (Jack Nicholson), un abogado borracho en la cárcel. George los ayuda a salir de la cárcel y los tres reanudan su pilgrama a Mardi Gras. Los tres se enfrentan a las comunidades ignorantes, “ cuadradas ” en el Sur, que ven la presencia del trío como una amenaza.
La película hace un trabajo increíble capturando el clima sociopolítico de la época. Vemos de primera mano cuán temidos eran los hippies por la cultura dominante, y cómo la contracultura fue impulsada por un anhelo de libertad. Las escenas que representan el uso de drogas, especialmente la secuencia cemetaria en la que Wyatt y Billy arrojan ácido con dos prostitutas, Karen (Karen Black) y Mary (Toni Basil), dale a la película un componente intenso y desorientador.
La escena del LSD sin guión implica recortes de salto, diálogo desplazado, lleno de miedo y arrepentido, y una mezcla de imágenes distorsionadas, como el uso de una lente ojo de pez y primeros planos del sol. Las escenas psicodélicas mezcladas con el realismo del estilo documental le dan a la película un sentido palpable de la época.
7. Zabriskie Point (1970) dir. Michelangelo Antonioni
Una parte del realismo documental, una parte del fantástico viaje psicodélico al desierto, la película estadounidense de Antonioni ofrece a su audiencia varios aspectos de la vida durante el apogeo de la contracultura. Aunque no es muy bien recibido, el clásico de culto de Antonioni sigue siendo un hito de la cinematografía psicodélica con sus hermosos paisajes desérticos, secuencias de fantasía hipnótica, y una banda sonora a medida de artistas como The Grateful Dead y Pink Floyd.
La trama se divide en dos adultos jóvenes, Mark (Mark Frechette) y Daria (Daria Halprin), que se encuentran en Death Valley. La película comienza en una reunión de protesta de estudiantes ’, donde Mark está presente, con la pregunta general de qué hace a un revolucionario. Seguimos a Mark mientras observa a sus amigos en este grupo ser gaseados, golpeados y un estudiante disparado por la policía en una protesta.
Un oficial de policía recibe un disparo y Mark es su sospechoso después de que huye de la escena. Roba un pequeño avión en un aeropuerto local y vuela hacia el desierto. Mientras tanto, Daria está conduciendo por un pueblo fantasma en su camino a Pheonix para encontrarse con su jefe corporativo (y quizás también con su amante), Lee (Rod Taylor ). Mark ve el auto de Daria en el cielo y vuela hacia abajo para encontrarse con ella. Los dos retozan juntos el desierto antes de enfrentar las realidades oscuras que se encuentran ante ellos en la civilización.
La película de Antonioni captura la imprudencia de la juventud en esta película que explora la revolución y la contracultura de Estados Unidos. Las escenas de ensueño (que incluyen una sensual escena de amor del desierto que estalla en una orgía de cuerpos cubiertos de arena ) transportan esta película del realismo a la psicodelia terrosa.
La trama se divide en dos adultos jóvenes, Mark (Mark Frechette) y Daria (Daria Halprin), que se encuentran en Death Valley. La película comienza en una reunión de protesta de estudiantes ’, donde Mark está presente, con la pregunta general de qué hace a un revolucionario. Seguimos a Mark mientras observa a sus amigos en este grupo ser gaseados, golpeados y un estudiante disparado por la policía en una protesta.
Un oficial de policía recibe un disparo y Mark es su sospechoso después de que huye de la escena. Roba un pequeño avión en un aeropuerto local y vuela hacia el desierto. Mientras tanto, Daria está conduciendo por un pueblo fantasma en su camino a Pheonix para encontrarse con su jefe corporativo (y quizás también con su amante), Lee (Rod Taylor ). Mark ve el auto de Daria en el cielo y vuela hacia abajo para encontrarse con ella. Los dos retozan juntos el desierto antes de enfrentar las realidades oscuras que se encuentran ante ellos en la civilización.
La película de Antonioni captura la imprudencia de la juventud en esta película que explora la revolución y la contracultura de Estados Unidos. Las escenas de ensueño (que incluyen una sensual escena de amor del desierto que estalla en una orgía de cuerpos cubiertos de arena ) transportan esta película del realismo a la psicodelia terrosa.
8. The devils (1971) dir. Ken Russell
La controvertida película de Ken Russell de 1971 incorpora secuencias alucinantes sexualmente explícitas en esta historia basadas en las supuestas posesiones demoníacas que tuvieron lugar en 17th Century Loudon, Francia.
Una orden de monjas Ursulinas comienza a exhibir un comportamiento salvaje e incontrolado que se cree que fue dirigido por Urbain Grandier (Oliver Reed), un orgulloso sacerdote, que recientemente obtuvo el control político de Loudon. Hermana Jeanne des Anges (Vanessa Redgrave), la madre superiora del convento reprimida sexualmente se enamora de Grandier, y sus sorprendentes fantasías sexuales la persiguen con conciencia culpable.
Una vez que la noticia del matrimonio secreto de Grandier con otra mujer llega a Jeanne, se derrumba en ataques de histeria y afirma haber sido poseída por el Diablo a través de Grandier. Otras monjas en el convento también afirman estar poseídas y el convento explota en un frenesí de arrebatos sexuales y extraños exorcismos públicos.
Russell representa audazmente los efectos de la opresión sexual mezclada con la manía religiosa. Las escenas censuradas de las posesiones demoníacas “ ” incluyen una orgía psicodélica de monjas desnudas “raping” una estatua de Cristo y la hermana Jeanne masturbándose con un hueso humano. La versión sin cortes de The Devils es una exploración alucinante y audaz del éxtasis (tanto religioso como sexual).
9. Wake in Fright (1971) dir. Ted Kotcheff
Una orden de monjas Ursulinas comienza a exhibir un comportamiento salvaje e incontrolado que se cree que fue dirigido por Urbain Grandier (Oliver Reed), un orgulloso sacerdote, que recientemente obtuvo el control político de Loudon. Hermana Jeanne des Anges (Vanessa Redgrave), la madre superiora del convento reprimida sexualmente se enamora de Grandier, y sus sorprendentes fantasías sexuales la persiguen con conciencia culpable.
Una vez que la noticia del matrimonio secreto de Grandier con otra mujer llega a Jeanne, se derrumba en ataques de histeria y afirma haber sido poseída por el Diablo a través de Grandier. Otras monjas en el convento también afirman estar poseídas y el convento explota en un frenesí de arrebatos sexuales y extraños exorcismos públicos.
Russell representa audazmente los efectos de la opresión sexual mezclada con la manía religiosa. Las escenas censuradas de las posesiones demoníacas “ ” incluyen una orgía psicodélica de monjas desnudas “raping” una estatua de Cristo y la hermana Jeanne masturbándose con un hueso humano. La versión sin cortes de The Devils es una exploración alucinante y audaz del éxtasis (tanto religioso como sexual).
9. Wake in Fright (1971) dir. Ted Kotcheff
Una película austriaca de 1971 relativamente inadvertida, que fue restaurada recientemente en 2009 y lanzada por Drafthouse Films, Wake in Fright es una porción de vida de pesadilla ambientada en un pequeño pueblo árido en Australia. Con su tono psicológico y espeluznante (evocando un episodio de The Twilight Zone), pone al espectador en la mente de John Grant (Gary Bond), el protagonista de la película, mientras sucumbe lentamente a su destino dentro de “ el Yabba. ”
John Grant es maestro de escuela en la pequeña ciudad de Tiboonda en el Outback austriaco, que está ansioso por viajar a Sydney para encontrarse con su novia durante las vacaciones de Navidad. Con el equipaje en mano, se sube a un autobús a Bundanyabba (apodado cariñosamente “el Yabba ” por sus habitantes), para volar a Syndey a la mañana siguiente.
Durante su noche allí, John es inmediatamente golpeado por una extrañeza indefinible de la ciudad. Se le llama para unirse al estupor borracho que caracteriza a la población masculina de la ciudad por la contundente amabilidad de Jock Crawford (Chips Rafferty), un policía local.
Después de unos tragos, John participa en el juego de apuestas favorito de la ciudad, al que pierde todo su dinero, y su boleto del Outback austriaco. Tomado bajo el ala de Doc Tydon (Donald Pleasence), un cínico consciente de sí mismo y (el único intelectual de la ciudad), John es llevado al punto de la desesperación y al borde de la locura en su polvorienta prisión.
El tono de mal humor de la película, así como la excelente caracterización de la vida en una ciudad minera vacía, coloca al espectador en el mismo estado psicológico de desesperación que John Grant. Sus sueños intermitentes, fantasías y alucinaciones borrachas nos dan una idea de su mente al ver y sentir de primera mano cómo sus esperanzas son aplastadas por la desolación severa del Yabba.
John Grant es maestro de escuela en la pequeña ciudad de Tiboonda en el Outback austriaco, que está ansioso por viajar a Sydney para encontrarse con su novia durante las vacaciones de Navidad. Con el equipaje en mano, se sube a un autobús a Bundanyabba (apodado cariñosamente “el Yabba ” por sus habitantes), para volar a Syndey a la mañana siguiente.
Durante su noche allí, John es inmediatamente golpeado por una extrañeza indefinible de la ciudad. Se le llama para unirse al estupor borracho que caracteriza a la población masculina de la ciudad por la contundente amabilidad de Jock Crawford (Chips Rafferty), un policía local.
Después de unos tragos, John participa en el juego de apuestas favorito de la ciudad, al que pierde todo su dinero, y su boleto del Outback austriaco. Tomado bajo el ala de Doc Tydon (Donald Pleasence), un cínico consciente de sí mismo y (el único intelectual de la ciudad), John es llevado al punto de la desesperación y al borde de la locura en su polvorienta prisión.
El tono de mal humor de la película, así como la excelente caracterización de la vida en una ciudad minera vacía, coloca al espectador en el mismo estado psicológico de desesperación que John Grant. Sus sueños intermitentes, fantasías y alucinaciones borrachas nos dan una idea de su mente al ver y sentir de primera mano cómo sus esperanzas son aplastadas por la desolación severa del Yabba.
10. The Devil (Diabel) (1972) dir. Andrzej Żuławski
Żuławski lleva a su espectador a las raíces de la locura a través de su apasionada saga que ilustra vívidamente las monstruos de la guerra. Las sensacionales actuaciones y el dinámico trabajo de la cámara llevan al público a una montaña rusa emocional a través de las profundidades del infierno.
En medio de la invasión prusiana de Polonia en 1793, un noble polaco llamado Jakub está encarcelado en un monasterio destruido convertido en hospital / cárcel / asilo loco. Un misterioso y diabólico extraño en un caballo blanco salva a Jakub y a los dos, así como a una monja silenciosa, se embarcan para visitar a la familia y amigos de Jakub, cuyas vidas ahora se están desmoronando. Jakub es llevado a la locura por los horrores que lo rodean, y con el engaño diabólico del extraño, Jakub comete actos brutales de violencia (que reflejan la violencia que lo rodea).
Originalmente prohibida en Polonia tras su lanzamiento, la película de Żuławski profundiza en la psique destrozada de los habitantes de la guerra devastó Polonia. No hay emociones discretas en la película de Żuławski; Cada personaje de la película pasa por ataques histéricos de ira, devastación y / o locura. Con los extremos emocionales expresados por los personajes, el trabajo desorientador de la cámara ( que incluye tomas POV y tomas itinerantes manuales ), y la partitura musical salvaje y de baja fidelidad, El diablo presenta a su espectador la experiencia sensorial caótica de una pesadilla viviente.
En medio de la invasión prusiana de Polonia en 1793, un noble polaco llamado Jakub está encarcelado en un monasterio destruido convertido en hospital / cárcel / asilo loco. Un misterioso y diabólico extraño en un caballo blanco salva a Jakub y a los dos, así como a una monja silenciosa, se embarcan para visitar a la familia y amigos de Jakub, cuyas vidas ahora se están desmoronando. Jakub es llevado a la locura por los horrores que lo rodean, y con el engaño diabólico del extraño, Jakub comete actos brutales de violencia (que reflejan la violencia que lo rodea).
Originalmente prohibida en Polonia tras su lanzamiento, la película de Żuławski profundiza en la psique destrozada de los habitantes de la guerra devastó Polonia. No hay emociones discretas en la película de Żuławski; Cada personaje de la película pasa por ataques histéricos de ira, devastación y / o locura. Con los extremos emocionales expresados por los personajes, el trabajo desorientador de la cámara ( que incluye tomas POV y tomas itinerantes manuales ), y la partitura musical salvaje y de baja fidelidad, El diablo presenta a su espectador la experiencia sensorial caótica de una pesadilla viviente.
11. Behind the Green Door (1972) dir. Artie Mitchell y Jim Mitchell
Esta película pornográfica de largometraje, lanzada durante la Edad de Oro del porno estadounidense, es tan psicodélica como sexy.
Una mujer joven (Marilyn Chambers) es secuestrada y llevada a un lugar misterioso donde es hipnotizada y conducida al escenario frente a una audiencia. En un estado de hipnosis, participa en una serie de actuaciones eróticas.
Durante las actividades sexuales, la música se ralentiza en un dron ritualista mientras las imágenes se saturan de color y se superponen, arrullando a la audiencia en un estado de rastro. Mediante el uso de la saturación del color, la música y la cámara lenta, los Hermanos Mitchell imitan el estado de la hipnosis, creando una experiencia psicodélica perversa.
Una mujer joven (Marilyn Chambers) es secuestrada y llevada a un lugar misterioso donde es hipnotizada y conducida al escenario frente a una audiencia. En un estado de hipnosis, participa en una serie de actuaciones eróticas.
Durante las actividades sexuales, la música se ralentiza en un dron ritualista mientras las imágenes se saturan de color y se superponen, arrullando a la audiencia en un estado de rastro. Mediante el uso de la saturación del color, la música y la cámara lenta, los Hermanos Mitchell imitan el estado de la hipnosis, creando una experiencia psicodélica perversa.
12. The Holy Mountain (1973) dir. Alejandro Jodorowsky
Ninguna lista de películas psicodélicas estaría completa sin una película de Jodorowsky. La Montaña Sagrada, una obra maestra surrealista abundante en simbología religiosa y referencias al cristianismo, el Tarot y la alquimia, lleva al espectador a un viaje espiritual alucinante. Al igual que Un Chien Andalou de Buñuel, la película comienza con una acción simbólica y ritualista.
Una figura enclavada lleva a dos mujeres vestidas como Marilyn Monroe y las arroja de sus atuendos sociales, quitándose el maquillaje, desnudándolas y afeitándose la cabeza. Similar al corte de ojos de Buñuel, Jodorowsky está haciendo una declaración simbólica a la audiencia, para deshacerse de sus estándares sociales y valores sesgados de manera cultural. Luego le presenta al espectador una película que sigue a un hombre, conocido como el Ladrón ( Horacio Salinas ), y su odisea mística.
Una pequeña persona sin manos ni pies encuentra a una figura como Cristo, el Ladrón, acostada en una pila de barro y basura. Los dos van a la ciudad, donde la gente realiza una especie de ceremonia religiosa, llevando perros crucificados mientras ejecutan simultáneamente grupos de personas, para el entretenimiento de los turistas.
Después de que la gente de la ciudad haga un molde de cera de su cuerpo para sus esculturas producidas en masa que se asemejan a Cristo, el Ladrón viaja por una misteriosa torre roja y se encuentra con un alquimista ( Alejandro Jodorowsky ), quien lidera al Ladrón en un camino de iluminación.
Jodorowsky tiene una forma de crear una iconografía religiosa original. Su película utiliza música cautivadora, personajes simbólicos y visuales surrealistas para disociar al espectador de creencias religiosas comunes y valores culturales típicos. Jodorowsky sumerge al espectador en su propio mundo, una amalgama de filosofías místicas.
13. Fantastic Planet (La Planète sauvage) (1973) dir. René Laloux
Esta película animada francesa / checoslovaca presenta un mundo extraño y extraño en el que pequeños humanos son gobernados por grandes criaturas humanoides dentro de un paisaje desértico lleno de monstruosos animales exóticos. Esta aventura psicodélica de ciencia ficción enreda al espectador en su extraño microcosmos.
En este reino, los humanos, conocidos como Oms, viven en tribus en la naturaleza, mientras que las grandes criaturas humanoides azules con ojos rojos sin parpadear, conocidos como Traags, controlan el planeta. Un día, algunos jóvenes Traags están jugando con un Om y su hijo pequeño. Las cosas se ponen un poco difíciles y el Om es asesinado, dejando a su hijo huérfano.
Una joven Traag llamada Tiwa está de paso con su padre y le pide que lleve al bebé Om a casa como mascota, a lo que su padre está de acuerdo. Tiwa levanta a su mascota Om, nombrándolo Terr, y comienza a formar un fuerte vínculo con él. Mientras Tiwa recibe sus lecciones diarias a través de un auricular portátil, Terr escucha y descubre la historia detrás de Oms and Traags. Se escapa con los auriculares, se une a un grupo de Oms y los educa, lo que lleva a un levantamiento de Om.
La imaginativa historia de Laloux sirve como una alegoría sociopolítica, quizás aludiendo a las fuerzas soviéticas que controlan los estados de Europa del Este en ese momento. De todos modos, la animación creativa de stop motion recortada, con su paisaje extraño, criaturas extrañas y movimientos alucinágenos ocasionales crea un excéntrico viaje de cabeza de una película.
En este reino, los humanos, conocidos como Oms, viven en tribus en la naturaleza, mientras que las grandes criaturas humanoides azules con ojos rojos sin parpadear, conocidos como Traags, controlan el planeta. Un día, algunos jóvenes Traags están jugando con un Om y su hijo pequeño. Las cosas se ponen un poco difíciles y el Om es asesinado, dejando a su hijo huérfano.
Una joven Traag llamada Tiwa está de paso con su padre y le pide que lleve al bebé Om a casa como mascota, a lo que su padre está de acuerdo. Tiwa levanta a su mascota Om, nombrándolo Terr, y comienza a formar un fuerte vínculo con él. Mientras Tiwa recibe sus lecciones diarias a través de un auricular portátil, Terr escucha y descubre la historia detrás de Oms and Traags. Se escapa con los auriculares, se une a un grupo de Oms y los educa, lo que lleva a un levantamiento de Om.
La imaginativa historia de Laloux sirve como una alegoría sociopolítica, quizás aludiendo a las fuerzas soviéticas que controlan los estados de Europa del Este en ese momento. De todos modos, la animación creativa de stop motion recortada, con su paisaje extraño, criaturas extrañas y movimientos alucinágenos ocasionales crea un excéntrico viaje de cabeza de una película.
14. The Wicker Man (1973) dir. Robin Hardy
Esta película de culto británica de 1973 es experimental en su núcleo, ya que juega con las expectativas de género, lo que desconcierta a su espectador y crea una experiencia cinematográfica inusual. Una parte de suspenso investigativo, una parte musical y una parte de horror psicológico, El Hombre de Mimbre infunde antiguas prácticas paganas en la historia de un oficial de policía descubriendo el misterio de una niña escocesa perdida.
Una joven llamada Rowan Morrison es reportada como desaparecida en una isla escocesa llamada Summerisle y Sergant Howie (Edward Woodward) va a investigar. Una vez en la isla, Howie, que es un cristiano piadoso que se ahorra para su noche de bodas, se sorprende por las creencias paganas sacreligiosas llevadas a cabo por la gente de la isla. Son sexualmente libres y parecen comunicarse principalmente a través de la canción. Sin desanimarse, Howie intenta llegar al fondo de la desaparición de Rowan Morrison, pero en cambio se encuentra profundizando en las tradiciones de druidismo de Summerisle.
Robin Hardy no tiene problemas para experimentar con estilo en la narración de cuentos y género. La música folklórica en la película actúa como un dispositivo de narración de historias, principalmente emitiendo información subconcientemente al protagonista (y al público) sobre los sistemas de creencias paganos que existen en la isla.
Una joven llamada Rowan Morrison es reportada como desaparecida en una isla escocesa llamada Summerisle y Sergant Howie (Edward Woodward) va a investigar. Una vez en la isla, Howie, que es un cristiano piadoso que se ahorra para su noche de bodas, se sorprende por las creencias paganas sacreligiosas llevadas a cabo por la gente de la isla. Son sexualmente libres y parecen comunicarse principalmente a través de la canción. Sin desanimarse, Howie intenta llegar al fondo de la desaparición de Rowan Morrison, pero en cambio se encuentra profundizando en las tradiciones de druidismo de Summerisle.
Robin Hardy no tiene problemas para experimentar con estilo en la narración de cuentos y género. La música folklórica en la película actúa como un dispositivo de narración de historias, principalmente emitiendo información subconcientemente al protagonista (y al público) sobre los sistemas de creencias paganos que existen en la isla.
La banda sonora de Wicker Man es bien conocida por los fanáticos de la música folklórica, y puede haber influido en el folk psicodélico posterior (una canción de la película se incluye en una complicación del folk psicodélico Una burbuja psicodélica monstruosa que explota en tu mente: Volumen 1). El género en la película no es claro, ya que experimenta con múltiples herramientas de varios géneros. Los aspectos musicales antes mencionados mezclados con el suspenso inquietante y los matices religiosos oscuros producen una experiencia cinematográfica convincente y única.
15. 3 Women (1977) dir. Robert Altman
La enigmática película de Robert Altman captura la sutil extrañeza de sus personajes dentro de un paisaje desértico indigente. El aspecto psicodélico de la película sale en su tono etéreo, que, de principio a fin, sigue siendo algo inquietante. La música espeluznante combinada con las actuaciones soñadoras dan como resultado una sensación de otro mundo que se queda con el público incluso después de que la película haya terminado.
La película comienza en un spa de salud para ancianos y discapacitados, donde Pinkie Rose ( Sissy Spacek ) está comenzando a trabajar. Ella conoce a Millie Lammoreaux ( Shelley Duvall), y responde al anuncio de Millie para un compañero de cuarto. Algo espaciada, Pinkie lucha por apaciguar a Millie, quien lucha por la atención y popularidad que siente que merece.
Los dos regulares un bar / campo de tiro local donde viven el dueño del bar, Edgar ( Robert Fortier ), y su esposa Willie ( Janice Rule ). La muy embarazada Willie pinta en silencio murales siniestros mientras Millie compite por la atención del borracho Edgar. Después de un intento fallido de suicidio por parte de Pinkie, la dinámica ( y las identidades ) de las mujeres comienzan a cambiar.
Según los informes, la película se inspiró en un sueño que tuvo Robert Altman, que adaptó a un guión y filmó, con el apoyo financiero completo de 20th Century Fox debido a la reputación del director. Altman logra su estado de sueño en esta película, con sus personajes ilusorios, música malhumorada y dirección exquisita.
16. Suspiria (1977) dir. Dario Argento
Con su diseño de producción expresionista y su banda sonora espeluznante de la banda italiana de rock progresivo Goblin, el clásico de culto de Argento es tan trippy como espeluznante.
Una joven bailarina de ballet estadounidense, Suzy ( Jessica Harper ), se muda a Alemania para unirse a una academia de ballet conocida. Sin embargo, a su llegada, se da cuenta de que algo en esta escuela está mal: cuando toca el timbre delantero para entrar, una mujer misteriosa no la deja entrar, y esa noche dos mujeres son brutalmente asesinadas. Después de un extraño encuentro con uno de los sirvientes de la academia, Suzy se desmaya. Las cosas solo se vuelven más extrañas durante el transcurso de la película con una variedad de ocurrencias extrañas y muertes más misteriosas.
Una joven bailarina de ballet estadounidense, Suzy ( Jessica Harper ), se muda a Alemania para unirse a una academia de ballet conocida. Sin embargo, a su llegada, se da cuenta de que algo en esta escuela está mal: cuando toca el timbre delantero para entrar, una mujer misteriosa no la deja entrar, y esa noche dos mujeres son brutalmente asesinadas. Después de un extraño encuentro con uno de los sirvientes de la academia, Suzy se desmaya. Las cosas solo se vuelven más extrañas durante el transcurso de la película con una variedad de ocurrencias extrañas y muertes más misteriosas.
Los llamativos colores de la película (especialmente los vívidos rojos), la arquitectura inspirada en el Art Nouveau y la escalofriante partitura musical crean una alucinación elegante y espantosa.
17. Nosferatu: Fantasma de la noche ( 1979 ) dir. Werner Herzog
La nueva versión de Werner Herzog del clásico cuento de vampiros lleva la historia tradicional a otro nivel con su película oscuramente poética e hipnótica. La Drácula de Herzog, interpretada por el fascinante Klaus Kinski, se caracteriza por ser más un anciano marchito que anhela el amor que un monstruo feroz sediento de sangre. Esta interpretación del personaje le da a la película una profundidad poética, que junto con la música trance de Popul Vuh y los hermosos paisajes soñadores hacen de la película una fantasía meloncólica y atractiva.
Jonathan Harker (Bruno Ganz), un agente inmobiliario de Wismar, Alemania, viaja a Transylvannia para encontrarse con el Conde Drácula y finalizar los documentos para la compra de una propiedad por parte del Conde en Wismar. En sus viajes, la gente del pueblo local le advierte que no se aventure más debido a los rumores de que el conde es un vampiro. Jonathan los descarta como supersticiosos y continúa su viaje.
Mientras tanto, Lucy (Isabelle Adjani), la esposa recién casada de Jonathan, sufre terrores nocturnos que parecen significar para su destino inmanente. Mientras hace negocios en la finca de Drácula, se abre el relicario de Jonathan con una imagen de Lucy, y el fantasmal Conde queda encantado por su imagen.
Cada vez más inquieto por el extraño comportamiento del conde, como tratar de lamer la sangre de un corte nuevo, Jonathan investiga el castillo del conde y lo encuentra dormido en un ataúd. Jonathan escapa del castillo, pero el conde lo sigue de cerca, ansioso por llegar a su propiedad recién comprada y encontrarse con Lucy en persona.
El expresivo corte transversal del conde Drácula con cara de luna de Kinski con Lucy aterrorizada de Adjani le da al espectador la impresión de que los dos están metafísicamente vinculados, incluso antes de compartir la pantalla. Este vínculo místico que los dos comparten se suma a los aspectos oníricos de la película.
Los paisajes brumosos que impregnan la cinematografía de la película colocan de manera similar al espectador dentro de este campo hipnótico, con la partitura fascinante de la banda alemana de vanguardia Popul Vuh. Nosferatu: Phantom of the Night es un ensueño místico que transporta al espectador a ese cautivador limbo entre soñar y despertar.
Jonathan Harker (Bruno Ganz), un agente inmobiliario de Wismar, Alemania, viaja a Transylvannia para encontrarse con el Conde Drácula y finalizar los documentos para la compra de una propiedad por parte del Conde en Wismar. En sus viajes, la gente del pueblo local le advierte que no se aventure más debido a los rumores de que el conde es un vampiro. Jonathan los descarta como supersticiosos y continúa su viaje.
Mientras tanto, Lucy (Isabelle Adjani), la esposa recién casada de Jonathan, sufre terrores nocturnos que parecen significar para su destino inmanente. Mientras hace negocios en la finca de Drácula, se abre el relicario de Jonathan con una imagen de Lucy, y el fantasmal Conde queda encantado por su imagen.
Cada vez más inquieto por el extraño comportamiento del conde, como tratar de lamer la sangre de un corte nuevo, Jonathan investiga el castillo del conde y lo encuentra dormido en un ataúd. Jonathan escapa del castillo, pero el conde lo sigue de cerca, ansioso por llegar a su propiedad recién comprada y encontrarse con Lucy en persona.
El expresivo corte transversal del conde Drácula con cara de luna de Kinski con Lucy aterrorizada de Adjani le da al espectador la impresión de que los dos están metafísicamente vinculados, incluso antes de compartir la pantalla. Este vínculo místico que los dos comparten se suma a los aspectos oníricos de la película.
Los paisajes brumosos que impregnan la cinematografía de la película colocan de manera similar al espectador dentro de este campo hipnótico, con la partitura fascinante de la banda alemana de vanguardia Popul Vuh. Nosferatu: Phantom of the Night es un ensueño místico que transporta al espectador a ese cautivador limbo entre soñar y despertar.
18. Altered States (1980) dir. Ken Russell
La incursión de Ken Russell en el género de ciencia ficción explora la experiencia mística de las alucinaciones de un hombre y el concepto de que estas alucinaciones se manifiestan físicamente. Las secuencias psicodélicas de la película son representaciones visuales vívidas de la devolución psicológica del protagonista en formas de ser cada vez más primitivas.
Un psicólogo, Edward Jessup (William Hurt), fascinado con los estados alterados de conciencia, realiza un experimento científico en el que toma drogas alucinantes mientras está en un tanque de privación sensorial. La combinación de una droga nativa americana no probada y la privación sensorial lo hacen degenerar mental y físicamente del hombre al ser protohumano al ser primordial.
Un psicólogo, Edward Jessup (William Hurt), fascinado con los estados alterados de conciencia, realiza un experimento científico en el que toma drogas alucinantes mientras está en un tanque de privación sensorial. La combinación de una droga nativa americana no probada y la privación sensorial lo hacen degenerar mental y físicamente del hombre al ser protohumano al ser primordial.
Las secuencias que representan las alucinaciones de Jessup utilizan colores brillantes y una edición rápida para mostrarle al espectador sus percepciones sensoriales alteradas. Vemos simbología religiosa y primaria, lo que sugiere las asociaciones espirituales de Jessup con sus recuerdos y pensamientos inconscientes. Hacia el final de la película, sus alucinaciones se convierten en un aturdimiento salvaje de movimiento celular microscópico.
Altered States es una excelente fusión de ciencia ficción y psicodelia en el cine. Las imágenes surrealistas agregan una idea de la conciencia del personaje principal mientras están bajo la influencia de sus experiencias que alteran la mente. Hay un cierto nivel de suspenso durante las transformaciones de Jessup, lo que dificulta que el espectador determine qué es real y qué se imagina.
19. Son of the White Mare (Fehérlófia) ( 1981) dir. Marcell Jankovics
Esta animación húngara de 1981 utiliza colores brillantes, formas simbólicas, geométricas y movimientos pulsantes para contar la historia mítica de un hombre con fuerza sobrehumana, Fehérlófia, nacido de un caballo blanco. La película, abundante en alusiones a la historia antigua húngara y los cuentos populares, captura visualmente la magia incrustada en los cuentos de hadas.
Seguimos a Fehérlófia a través de su heroico viaje para vengarse de los dragones que encarcelaron a su madre años antes. La película comienza con su madre corriendo para refugiarse y dándole a luz en el hueco de un árbol.
Ella le cuenta a su pequeño hijo la historia de cómo los dragones malvados vencieron al reino mágico y la encarcelaron. Después de tener dos hijos, que desaparecieron de los ojos de los dragones, ella escapó, embarazada de Fehérlófia. A medida que envejece, Fehérlófia recibe consejos del espíritu del Padre para amamantar el pecho de su madre durante 14 años para fortalecerse.
Al final de los 14 años, su madre muere de agotamiento y él se va de casa con su nueva fuerza para encontrar a sus hermanos perdidos hace mucho tiempo. Los tres luego viajan al inframundo para encontrar a los dragones que encarcelaron a su madre.
Las imágenes llamativas y prismáticas nos llevan a través de esta aventura rica en arquetipos folclóricos y simbolismo. Jankovics crea un mundo mágico con esta fantástica historia contada a través de la colorida animación psicodélica. La entireza de esta película es una masa arremolinada de deleite sensorial.
Seguimos a Fehérlófia a través de su heroico viaje para vengarse de los dragones que encarcelaron a su madre años antes. La película comienza con su madre corriendo para refugiarse y dándole a luz en el hueco de un árbol.
Ella le cuenta a su pequeño hijo la historia de cómo los dragones malvados vencieron al reino mágico y la encarcelaron. Después de tener dos hijos, que desaparecieron de los ojos de los dragones, ella escapó, embarazada de Fehérlófia. A medida que envejece, Fehérlófia recibe consejos del espíritu del Padre para amamantar el pecho de su madre durante 14 años para fortalecerse.
Al final de los 14 años, su madre muere de agotamiento y él se va de casa con su nueva fuerza para encontrar a sus hermanos perdidos hace mucho tiempo. Los tres luego viajan al inframundo para encontrar a los dragones que encarcelaron a su madre.
Las imágenes llamativas y prismáticas nos llevan a través de esta aventura rica en arquetipos folclóricos y simbolismo. Jankovics crea un mundo mágico con esta fantástica historia contada a través de la colorida animación psicodélica. La entireza de esta película es una masa arremolinada de deleite sensorial.
20. Come and See (Idi i smotri) (1985) dir. Elem Klimov
Esta retorcida historia de la mayoría de edad ilustra los horrores de la guerra vistos y escuchados por un niño bielorruso durante la ocupación nazi de la Unión Soviética durante la Segunda Guerra Mundial. La inquietante imagen y el diseño de sonido de la película colocan adecuadamente al espectador en la posición vulnerable del joven impresionable cuando ve que su aldea es brutalmente destruida.
Flyora (Aleksei Kravchenko) está cavando en la arena, buscando un rifle para unirse a las fuerzas soviéticas. Una vez que encuentra su arma, el joven de ojos abiertos marcha para convertirse en soldado, para consternación de su madre. En la primera misión de su tropa, Flyora se queda atrás con una hermosa joven, Glasha (Olga Mironova ), la enfermera de la tropa. Aviones de combate alemanes circulan por encima y arrojan bombas en su campamento, ensordeciendo a Flyora.
La película sigue a Flyora mientras viaja de regreso a su aldea, solo para encontrarla devastada y ocupada con nazis sádicos. Una vez que Flyora pierde gran parte de su audición, la película da un giro drástico, usando sonidos deformados para imitar los sonidos que Flyora puede escuchar. El dron de los aviones en lo alto, las voces apagadas de las personas que lo rodean e imaginadas transmisiones de radio crean la sinfonía del sonido que impregna la psique rota de Flyora.
Al comienzo de la película, se nos presenta un chico de ojos brillantes y cola espesa listo para las aventuras de la guerra. Sin embargo, solo debemos verlo traumatizado y prematuramente envejecido; se vuelve loco por los terrores de la muerte. El diseño de sonido mezclado con las poderosas actuaciones ( que a menudo rompen la cuarta pared ) crea una pesadilla viviente que enreda al público dentro de la mente torturada de Flyora.
Flyora (Aleksei Kravchenko) está cavando en la arena, buscando un rifle para unirse a las fuerzas soviéticas. Una vez que encuentra su arma, el joven de ojos abiertos marcha para convertirse en soldado, para consternación de su madre. En la primera misión de su tropa, Flyora se queda atrás con una hermosa joven, Glasha (Olga Mironova ), la enfermera de la tropa. Aviones de combate alemanes circulan por encima y arrojan bombas en su campamento, ensordeciendo a Flyora.
La película sigue a Flyora mientras viaja de regreso a su aldea, solo para encontrarla devastada y ocupada con nazis sádicos. Una vez que Flyora pierde gran parte de su audición, la película da un giro drástico, usando sonidos deformados para imitar los sonidos que Flyora puede escuchar. El dron de los aviones en lo alto, las voces apagadas de las personas que lo rodean e imaginadas transmisiones de radio crean la sinfonía del sonido que impregna la psique rota de Flyora.
Al comienzo de la película, se nos presenta un chico de ojos brillantes y cola espesa listo para las aventuras de la guerra. Sin embargo, solo debemos verlo traumatizado y prematuramente envejecido; se vuelve loco por los terrores de la muerte. El diseño de sonido mezclado con las poderosas actuaciones ( que a menudo rompen la cuarta pared ) crea una pesadilla viviente que enreda al público dentro de la mente torturada de Flyora.
21. Dead Man (1995) dir. Jim Jarmusch
El occidental atmosférico y existencial de Jim Jarmusch lleva al espectador al viaje solitario y soñador (acompañado por lo escaso, rasgueos eléctricos de Niel Young) de William Blake (Johnny Depp) mientras se encuentra deambulando por un bosque, dirigido por un nativo americano llamado Nobody (Gary Farmer).
William Blake llega a la ciudad industrial oxidada de Machine con la perspectiva de un trabajo. Después de que su trabajo fracasa, mata a un hombre en defensa propia y herido, roba un caballo y sale de la ciudad. Nadie lo encuentra inconsciente en el bosque y después de aprender el nombre de William Blake, piensa que es una reencarnación del poeta romántico. William Blake realiza un viaje espiritual con Nadie a través del bosque blanco de invierno, dándose cuenta de su lugar como un hombre muerto.
El propio Jarmusch denominó a la película “Psychedelic Western” y Dead Man hace honor al nombre mediante el uso de la exquisita fotografía en blanco y negro de otro mundo de Robby Müller, la intensa de Niel Young, pero minimalista, música y las reflexiones filosóficas de los personajes.
William Blake llega a la ciudad industrial oxidada de Machine con la perspectiva de un trabajo. Después de que su trabajo fracasa, mata a un hombre en defensa propia y herido, roba un caballo y sale de la ciudad. Nadie lo encuentra inconsciente en el bosque y después de aprender el nombre de William Blake, piensa que es una reencarnación del poeta romántico. William Blake realiza un viaje espiritual con Nadie a través del bosque blanco de invierno, dándose cuenta de su lugar como un hombre muerto.
El propio Jarmusch denominó a la película “Psychedelic Western” y Dead Man hace honor al nombre mediante el uso de la exquisita fotografía en blanco y negro de otro mundo de Robby Müller, la intensa de Niel Young, pero minimalista, música y las reflexiones filosóficas de los personajes.
22. Miedo y asco en Las Vegas (1998) dir. Terry Gilliam
Basado en Hunter S. La novela de Thompson (que utiliza eventos semiautobiográficos), Fear and Loathing in Las Vegas lleva al espectador a un viaje psicodélico de dos horas al corazón del libertinaje. Compuesta principalmente por caricaturas y alucinaciones distorsionadas, la película envuelve con éxito al espectador en la realidad de los personajes alimentada por drogas.
Hunter S. El alter ego de Thompson Raoul Duke (Johhny Depp) y su abogado, el Dr. Gonzo (Benicio del Toro) realiza un viaje por carretera a Las Vegas desde Los Ángeles con la tarea de cubrir la carrera de motos Mint 400. La pareja se deleita con su colección de drogas ilegales, haciendo que su estadía en Las Vegas sea memorable (bueno, por lo que pueden recordar). Duke narra su exploración indulgente, planteando temas del sueño americano.
En lo que podría considerarse la obra maestra de culto del director, Gilliam distorsiona la realidad de los personajes hasta el punto de ridiculizar. Mientras Duke y Gonzo retozan la extravagante ciudad de Las Vegas, con una multitud de drogas que se vuelven caóticas en un ambiente ya extraño, golpean el vacío de la cultura estadounidense.
Hunter S. El alter ego de Thompson Raoul Duke (Johhny Depp) y su abogado, el Dr. Gonzo (Benicio del Toro) realiza un viaje por carretera a Las Vegas desde Los Ángeles con la tarea de cubrir la carrera de motos Mint 400. La pareja se deleita con su colección de drogas ilegales, haciendo que su estadía en Las Vegas sea memorable (bueno, por lo que pueden recordar). Duke narra su exploración indulgente, planteando temas del sueño americano.
En lo que podría considerarse la obra maestra de culto del director, Gilliam distorsiona la realidad de los personajes hasta el punto de ridiculizar. Mientras Duke y Gonzo retozan la extravagante ciudad de Las Vegas, con una multitud de drogas que se vuelven caóticas en un ambiente ya extraño, golpean el vacío de la cultura estadounidense.
23. Requiem for a Dream (2000) dir. Darren Aronofsky
La tragedia melodramática de Aronofsky es un brutal tour de force. Representando los altibajos montañosos y los bajos devastadores del consumo de drogas y la adicción, Requiem for a Dream va mucho más allá de cualquier otra historia de advertencia con sus imágenes terriblemente distorsionadas, escenarios desgarradores, y partitura musical épica.
La película sigue a cuatro personajes, Harry (Jared Leto), su madre Sara (Ellen Burstyn), la novia de Harry Marion (Jennifer Connelly) y la mejor amiga de Harry y compañera de tráfico de drogas Tyrone (Marlon Wayans). Cada personaje lucha por cumplir sus ambiciones, pero finalmente es superado por su adición de drogas: Harry, Marion y Tyrone a la heroína y Sara a las anfetaminas disfrazadas de dieta.
La película sigue a cuatro personajes, Harry (Jared Leto), su madre Sara (Ellen Burstyn), la novia de Harry Marion (Jennifer Connelly) y la mejor amiga de Harry y compañera de tráfico de drogas Tyrone (Marlon Wayans). Cada personaje lucha por cumplir sus ambiciones, pero finalmente es superado por su adición de drogas: Harry, Marion y Tyrone a la heroína y Sara a las anfetaminas disfrazadas de dieta.
Aronofsky amplifica el uso de drogas con tomas de primer plano continuas de los personajes que inyectan o ingieren su droga de elección. Vemos la rutina que comienza a desarrollarse y cómo conduce a la caída final de los personajes. Las alucinaciones visuales y auditivas abundan a medida que todos los personajes intentan mantener una comprensión de sus objetivos y, en algunos casos, de la realidad. Cada descenso de personajes se ilustra maravillosamente con la dirección magistral de Aronofsky, con su énfasis en la distorsión de la realidad que viene con el uso de drogas.
24. Enter the Void (2009) dir. Gaspar Noé
La obra maestra alucinante y alucinante de Gaspar Noé es una sobrecarga sensorial de luces brillantes y colores neón, un paisaje sonoro arremolinado y efectos visuales incomparables. El duro viaje mental de Noé transporta al espectador a un mundo fantasmagórico de vida, muerte y pesadilla.
Basada en el Libro tibetano de los muertos, la película sigue a Oscar (Nathaniel Brown), un traficante de drogas estadounidense con sede en Toyko y su hermana Linda (Paz de la Huerta). Oscar y Linda quedaron huérfanos a una edad temprana, cuando sus padres murieron en un accidente automovilístico (en el que también estaban). Los dos prometen mantenerse siempre unidos, y Oscar jura proteger a Linda, pase lo que pase.
Basada en el Libro tibetano de los muertos, la película sigue a Oscar (Nathaniel Brown), un traficante de drogas estadounidense con sede en Toyko y su hermana Linda (Paz de la Huerta). Oscar y Linda quedaron huérfanos a una edad temprana, cuando sus padres murieron en un accidente automovilístico (en el que también estaban). Los dos prometen mantenerse siempre unidos, y Oscar jura proteger a Linda, pase lo que pase.
Una noche, Oscar se encuentra con su amigo Alex (Cyril Roy) en su camino a un bar para venderle algún producto a un chico joven. La reunión resulta ser una trampa, y Oscar es asesinado a tiros por la policía. Para el resto de la película, el espíritu de Oscar flota por las calles de Toyko reexperimentando viejos recuerdos, velando por Linda y Alex, y profundizando en versiones alternativas de la realidad.
Dicho completamente desde el punto de vista de Oscar (la cámara imita la visión y el oído de Oscar), la película captura todos los aspectos de las percepciones sensoriales de Oscar, incluyendo un viaje DMT de cinco minutos al comienzo de la película. La vorágine de luces deslumbrantes, colores neón e imágenes distorsionadas que el espectador encuentra tanto antes como después de la muerte de Oscar es nada menos que un tour de force en el cine psicodélico.
25. A Field in England (2013) dir. Ben Wheatley
Una película compuesta por solo cinco personajes en un solo lugar, A Field en Inglaterra lleva al espectador a un viaje psicológico que involucra a desertores de guerra, brujería y lo sobrenatural.
Establecido durante la Guerra Civil inglesa, un asistente de alquimista, Whitehead (Reece Shearsmith) y otros tres desertores deambulan por el campo inglés en busca de una casa de cerveza. Los hombres se encuentran con un misterioso irlandés llamado O’Niell (Michael Smiley), a quien Whitehead pronto se da cuenta de que es el hombre que su maestro le ordenó que encontrara para obtener algunos manuscritos robados. Sin embargo, O'Niell persigue al grupo de hombres para que lo ayuden a buscar y buscar un tesoro enterrado en un campo específico dentro de un anillo de hadas, donde los hombres pronto se desenredan.
Ben Wheatley (Kill List, Sightseers) incorpora la historia y el folklore en su película muy simple, pero convincente y extremadamente psicodélica. La antigua superstición detrás de los círculos de hongos dice que todos los que entran son transportados a un reino mágico (pero peligroso).
Establecido durante la Guerra Civil inglesa, un asistente de alquimista, Whitehead (Reece Shearsmith) y otros tres desertores deambulan por el campo inglés en busca de una casa de cerveza. Los hombres se encuentran con un misterioso irlandés llamado O’Niell (Michael Smiley), a quien Whitehead pronto se da cuenta de que es el hombre que su maestro le ordenó que encontrara para obtener algunos manuscritos robados. Sin embargo, O'Niell persigue al grupo de hombres para que lo ayuden a buscar y buscar un tesoro enterrado en un campo específico dentro de un anillo de hadas, donde los hombres pronto se desenredan.
Ben Wheatley (Kill List, Sightseers) incorpora la historia y el folklore en su película muy simple, pero convincente y extremadamente psicodélica. La antigua superstición detrás de los círculos de hongos dice que todos los que entran son transportados a un reino mágico (pero peligroso).
Wheatley juega con esa superstición con secuencias psicodélicas que incluyen reflejar un lado del cuadro al otro, y una edición muy rápida que interrumpe la persistencia de la visión del espectador hasta el punto de asalto (incluso hay un aviso al comienzo de la película que advierte al espectador sobre las imágenes intermitentes y secuencias estroboscópicas). La película logra la combinación perfecta de realismo histórico y psicodelia oculta.
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