Hydra
Miembro Maestro
20. Treinta Minutos de Vida – Moris - 1970
Una obra maestra de lo-fi, el álbum debut del trovador de Buenos Aires Mauricio Birabent mostró su don para escribir canciones de protesta que eran inmensamente poéticas en sus giros melódicos, pero también mezcladas con una súplica desesperada, casi juvenil, por una inocencia perdida que tal vez nunca existió. para empezar. Inspirado por el rock'n'roll de los años cincuenta y las amargas heridas del tango, Moris se mantuvo a kilómetros de distancia de sus pares argentinos más intelectuales. Debajo del canto rudo y la personalidad escénica del barrio, sus letras eran sorprendentemente sensibles, defendiendo la fluidez de género en el atemporal “Escúchame Entre el Ruido” y atacando a los hippies oportunistas en “Pato Trabaja en una Carnicería”. Fue una sesión breve e impresionista que fue pionera en el modelo emocional de recuerdo nostálgico que habitaría todo lo que siguió.
19. Roberto Carlos, 'Em Ritmo de Aventura' - 1967
Mucho antes de convertirse en un cantante latino con ventas millonarias, Roberto Carlos encontró su vocación en el rock'n'roll. Con su guitarra tintineante, una fenomenal colaboración en la composición de canciones con Erasmo Carlos (sin relación) y un tono vocal meloso que encapsula el anhelo y la exuberancia de la juventud, encabezó el movimiento jovem guarda que arrasó en Brasil. Em Ritmo de Aventura es la banda sonora de una película: la respuesta sudamericana a Help de los Beatles– que encontró al carismático Roberto conduciendo un auto deportivo rojo al ritmo de “Por Isso Corro Demais”, azucarado y pesado de Hammond. Desde el encanto puro del éxito de soul-rock “Eu Sou Terrível” hasta el melancólico “Como É Grande o Meu Amor por Você”, este fue uno de los primeros álbumes que mostró el potencial ilimitado del rock brasileño.
18. Sumo, 'Llegando los Monos' - 1986
Decidido a dejar de fumar drogas, el cantante italiano Luca Prodan se mudó a Argentina en 1980 porque allí no había heroína disponible. Encontraría refugio en el alcohol y moriría en 1987, a los 34 años. Pero en esos siete años, Prodan reinventó el rock latino con su peculiar acento europeo y el excéntrico mosaico de influencias que componían Sumo: el virulento post-punk, el vivaz reggae, la amenazante pompa de Van der Graaf Generator y la oscura redención de Joy Division. El segundo álbum de la banda cuenta con algunos de sus materiales más fuertes: “Los Viejos Vinagres” exalta una actitud de mente abierta a un ritmo furioso, mientras que el febril “TV Caliente” sueña despierto con la diva italiana Virna Lisi. “Heroína” combina el jingle de un comercial de champú con una oda bluesera a la sustancia favorita de Prodan. Irreverente, angustiada y profundamente influyente, la música de Sumo era una flor rara y un presagio de cambio.
17. Karnak, 'Karnak' - 1995
Inspirado por las grabaciones de campo que acumuló durante sus viajes alrededor del mundo, el cantante y multiinstrumentista André Abujamra regresó a su São Paulo natal y pasó tres años creando el álbum más criminalmente subestimado de la música latina: un extenso, cosmopolita e inmensamente conmovedor debut sobre la unidad. y amor. Reclutó un templo en movimiento que era una orquesta, además de dos actores y un perro que se sentaba tranquilamente en el escenario durante los conciertos, y polinizó formatos con abandono: reggae y samba; rock orquestal con pop árabe; Lenguajes reales e imaginarios. “No soy de este mundo/vengo de la Atlántida”, afirma en el contagioso “Comendo uva na chuva”. Abujamra, un maestro quijotesco y de otro mundo, estaba tremendamente adelantado a su tiempo.
16. Soda Stereo, 'Canción Animal' - 1990
El trío argentino Soda Stereo pasó la mayor parte de los años ochenta llevando sus influencias del synth-pop en sus mangas, pero cuando el grupo contó con la ayuda del esotérico teclista Daniel Melero y grabó Canción Animal , el compositor principal Gustavo Cerati había cimentado un himno basado en la guitarra. identidad propia.
Una meditación sobre las fuerzas curativas de la música misma, “De Música Ligera” se convirtió en el mayor éxito de Soda y en un himno del rock panlatino. La pesada propulsión de “Hombre Al Agua” y la cruda electricidad de “(En) El Séptimo Día” contribuyen a la combustión desenfadada del álbum. Para una experiencia más refinada, pruebe el neopsicodélico Sueño Stereo de 1995 , el fascinante canto del cisne de Soda.
15. Natalia Lafourcade, 'Hasta la Raíz' - 2015
Tantas emociones, tan poco tiempo. El apasionante sexto álbum de Lafourcade estuvo intercalado entre tributos a Agustín Lara y el clásico cancionero folklórico latino. Por el contrario, Hasta la Raíz se siente como un torbellino de vibraciones soleadas, con solo un toque de tardes lluviosas por si acaso (la balada de jazz de ruptura “Lo Que Construimos”). La canción principal avanza con optimismo inquebrantable, mientras que la irresistible “Mi Lugar Favorito” parece la banda sonora de una película sobre jóvenes artistas sensibles en un viaje por carretera junto al mar. Lafourcade tenía 31 años en ese momento y la frescura de estas canciones infundía confianza al rock latino. Cuando el mundo ya empezaba a desmoronarse, la voz de la cantante mexicana –clara, angelical, siempre al mando– daba a entender que la música aún posee el poder de calmar el alma.
14. Los Amigos Invisibles, 'El Nuevo Sonido de la Gozadera Venezolana' - 1998
A juzgar por títulos de canciones como “Cachete a Cachete” y “El Disco Anal”, estarías en lo cierto al suponer que el segundo álbum de Los Amigos Invisibles estuvo ligeramente obsesionado con los placeres de la carne. Los conciertos en vivo del sexteto venezolano de finales de los 90 (una época más feliz, cuando el guitarrista y genio subestimado José Luis Pardo todavía estaba a bordo) se volvieron legendarios por su mezcla dionisíaca de disco, mambo y ultra-funk decadente. Pero Los Amigos también canalizaron a Jobim en la sedosa bossa “Las Lycras del Ávila” y celebraron la inocencia del lounge en “Mango Cool”. Con un divertido rap del percusionista Mauricio Arcas, “Ponerte En Cuatro” se burló del machismo mientras iluminaba la pista de baile. En el mejor de los casos, Los Amigos son la banda fiestera por excelencia, pero con una capa subterránea de arrepentimiento.
13. Pescado Rabioso, 'Artaud' - 1973
Si el debut en 1970 de la banda Almendra de Luis Alberto Spinetta fue un hito fundacional para el rock argentino, las sesiones que grabó tres años después con el conjunto experimental Pescado Rabioso significaron una fractura brutal, además de una mayoría de edad. Invocando el espíritu radical del poeta francés Antonin Artaud, Spinetta profundizó libremente en el surrealismo para un álbum que es esencialmente un esfuerzo solista, informado por rock ácido, guitarras acústicas oscilantes y armónicos espinosos de jazz. “Bajan” hierve a fuego lento con electricidad apenas contenida, mientras que el coro del blues “Cementerio Club” se inspiró en una inscripción que Spinetta encontró en la pared de una celda de la cárcel después de ser detenido por la policía militar de Buenos Aires.
Anclado en la mística herida del cantante, guitarrista y compositor Saúl Hernández, Caifanes contribuyó a la emancipación del rock mexicano con un sonido denso y casi gótico que logró el equilibrio adecuado entre la esperanza y la desesperación al saber cuándo arrojar algún que otro rayo de luz. (Para un rápido estímulo, pruebe la majestuosidad estridente de “Nubes”). El diario confesional apenas disfrazado de una banda que implosiona justo cuando el mundo en general se rinde a sus lúgubres himnos, El Silencio fue producido con empatía y claridad por Adrian Belew, alumno de King Crimson. La siguiente banda de Hernández, Jaguares, operaría con un lienzo más hábil, pero en cuanto a conexión emocional pura, nada supera a los clásicos de Caifanes como “Debajo de tu Piel”.
11. Santana, 'Abraxas' - 1970
Nacido en Jalisco, México, Carlos Santana se mudó a San Francisco cuando era adolescente y pronto se convirtió en el arquitecto del rock latino del establishment musical estadounidense. Un mago de la guitarra con inclinaciones espirituales, se sentía cómodo tocando blues, jazz fusión o un estándar de Tito Puente. Grabado con su banda Santana, Abraxas , con ventas millonarias, incorporó los abrasivos licks de guitarra de Carlos en una auténtica sección afrocaribeña de congas y timbales interpretadas por José 'Chepito' Areas y Michael Carabello. La conmovedora adaptación del grupo del cha cha chá de Puente de 1962 “Oye Cómo Va” estaba imbuida del sabor salsero del original, pero también tenía el ritmo del clásico del rock estadounidense que es. A su vez, los sonidos de Abraxas resonaron al sur de la frontera, influyendo en una generación de aspirantes a hacheros latinos.
____________________________________________________________________
T O P 10
10. Julieta Venegas, 'Bueninvento' - 2000T O P 10
Coproducida por los integrantes de Café Tacvba, Gustavo Santaolalla y Joe Chiccarelli, la segunda salida de la cantante tijuanense la reveló como un prodigio de la composición. Un ciclo de canciones de pasión insondable, Bueninvento es entrañable por su vulnerabilidad y excentricidad. También está lleno de pasajes memorables, como la lúgubre autorreflexión de “Sería Feliz” y una versión valiente de la joya de Juan Gabriel “Siempre En Mi Mente” que supera al original. Hasta la llegada de Bueninvento , se suponía que los álbumes de rock latino no debían sonar así. Armada con su acordeón, nudosos acordes de piano y voces celestiales, Venegas reescribió las reglas del juego para beneficio de todos los que siguieron su camino.
Grabado en la ciudad de Nueva York justo cuando Argentina regresaba a la democracia después de años de censura, el segundo álbum solista del exlíder de los influyentes grupos Sui Generis y Serú Girán, Clics Modernos narra la transición total del rock en español a la angular New Wave. Una sesión estimulante que en su mayor parte abandona la percusión en vivo en favor de una caja de ritmos 808. El animado tema de apertura “Nos Siguen Pegando Abajo” es una condena no tan sutil de la opresión dictatorial, mientras que “No Soy Un Extraño” se aventura en una atmósfera de tango y synth-pop. En la apasionada “Los Dinosaurios”, García muestra su pirotecnia con el teclado mientras celebra el fin de la tiranía. Nunca había sonado tan feliz.
8. Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio , 'El Circo' - 1991
Con una mirada de adoración a la cultura chicana, las películas en blanco y negro de Tin Tan (“ rey del barrio ”) y el glamour vintage de los salones de baile tropicales de la Ciudad de México, Maldita Vecindad celebró el pasado con riffs de congas y saxo, pero también amplió el mosh. pit con su intransigente mezcla de ska, reggae y punk. El Circo rebosa placeres inesperados, desde la sinceridad sincera de “Kumbala” y la alegre “Pachuco” hasta la ligereza de la versión del calipso “Pata de Perro”. También fue enormemente influyente para el rock latino como movimiento cultural, debido al garbo con el que apreciaba y abrazaba su propia cultura.
7. Babasónicos, 'Jessico' - 2001
Proveniente del suburbio de Lanús en Buenos Aires, Babasónicos se hace eco de la vanidad glam-pop de Roxy Music: la exaltación del hedonismo como la más noble de las actividades de la vida, una actitud cínica hacia el sexo y el romance, y un aluvión de referencias literarias y de escuelas de arte. Pero la banda también se nutre de la comprensión íntima del cantante y compositor Adrián Dárgelos de la balada de los setenta: su preocupación por las melodías de gasa y un estado mental bohemio (la preciosa “El Loco”). También pueden rockear como Black Sabbath e idear canciones. de impresionante belleza como el majestuoso abridor “Los Calientes”. Los álbumes siguientes Infame (2003) y Anoche (2005) perfeccionaron la receta.
6. Os Mutantes, 'Os Mutantes' - 1968
A finales de los años sesenta, la excentricidad de la psicodelia encontró un terreno fértil en Brasil, donde una generación joven de músicos condenó la dictadura militar del país. En busca de un nuevo sonido, siempre conocido como tropicália , estaban igualmente enamorados del pop chicle y de la vanguardia. Ayudado por los ingeniosos arreglos de Rogélio Duprat, el trío formado por Rita Lee, Sérgio Dias y Arnaldo Baptista creó un delirante país de las maravillas sonoras que dio como resultado Magical Mystery Tour .una carrera por su dinero. En el icónico tema de apertura, “Panis et Circenses”, escrito nada menos que por Caetano Veloso y Gilberto Gil, los cánticos hippies chocan con una dulce flauta dulce, una percusión poco convencional y un vals distorsionado de Strauss que suena en la radio. Los Mutantes se lo pasan genial interpretando a Françoise Hardy, The Mamas & the Papas y Jorge Ben, pero también pueden ser introspectivos con perlas inquietantes como “O Relógio”.
5. Los Fabulosos Cadillacs, 'Fabulosos Calavera' - 1997
El éxito comercial de “Matador” de 1994 –una mezcla grandilocuente de ritmos carnavalescos y letras políticas– inspiró a los Fabulosos Cadillacs de Argentina a desechar las expectativas de los sellos discográficos y deleitarse con sus tendencias experimentales. Una ópera vagamente conceptual poblada de esqueletos surfistas, diablitos y calaveras resplandecientes, Fabulosos Calaveraemplea el peso instrumental de la banda para zigzaguear inquietamente desde el thrash metal hasta el funk metálico, el spaghetti western y la balada sentimental. Comienza en un espacio furioso, que busca burlarse y subvertir, pero luego se vuelve increíblemente tierno. “Niño Diamante” transforma el riff de piano de “Take Five” de Dave Brubeck en un melancólico art-rock y “ADRB” demostró que las nubes de la desesperación del tango estaban muy vivas.
“Escribimos canciones/Destruimos las canciones”, canta Vicentico en “Sábato”. La obra maestra deconstruccionista de los Cadillacs es también una audaz declaración de principios.
“Escribimos canciones/Destruimos las canciones”, canta Vicentico en “Sábato”. La obra maestra deconstruccionista de los Cadillacs es también una audaz declaración de principios.
4. Milton Nascimento, 'Clube da Esquina' - 1972
Hay una quietud de otro mundo en las canciones del Clube da Esquina, un pilar de la música brasileña del colectivo de Milton Nascimento, Lô Borges y otros compositores con ideas afines. En el centro de este doble LP bizantino se encuentra el genio de Nascimento: la maravilla infantil en su fusión de nostalgia beatlesca, folklore afrobrasileño sagrado, un toque de disonancia y peculiaridades de vanguardia. Las canciones rebosan imágenes potentes: el sol en tu cabeza mientras viajas en un tren azul en “O Trem Azul”, un girasol del color de su cabello en la psicodélica “Um Girassol Da Cor Do Seu Cabelo”, ambas de Borges. En el tierno “San Vicente”, Nascimento busca un corazón panamericano en una ciudad imaginaria que pinta con riffs de guitarra folk y campanas en forma de procesión: una muestra de vida o muerte. Más que un álbum conceptual, Clube da Esquina se siente como una experiencia religiosa.
3. Aterciopelados, 'La Pipa de la Paz' - 1996
Comienza con la seriedad visceral de “Cosita Seria” y nunca cesa. La vocalización virtuosa de la autoproclamada chica difícil Andrea Echeverri se eleva a alturas vertiginosas mientras resta importancia al amor romántico en el melodioso joropo “La Culpable” –completo con un brumoso puente folktrónico– y luego elogia las vibraciones curativas del sonido en “Música”. El cómplice Héctor Buitrago añade acentos de bajo punky a los paisajes sonoros panorámicos de la supersticiosa “Buena Estrella” y la sin aliento “Baracunatana”. Aterciopelados, la mejor banda que jamás haya surgido de Colombia, lanzó muchos discos superlativos. Producido en Londres por Phil Manzanera de Roxy Music, este es el que suena como un tren de carga descarrilado.
2. Gustavo Cerati, 'Bocanada'- 1999
En los años ochenta, el trío de Buenos Aires, Soda Stereo, encabezó una revolución del rock en español , y toda América Latina se dio cuenta. Los logros del grupo no fueron más que un preludio de la relativamente breve pero gloriosa carrera solista de su compositor, Gustavo Cerati. Una figura trágica, el cantante y guitarrista principesco, de voz suave, quedó en coma a los 50 años, del cual nunca se recuperó. Su segunda salida en solitario – la primera tras la ruptura de Soda – Bocanadaes una declaración de libertad que deja volar todo, una resplandeciente porción del glamuroso cine negro sudamericano que flota sobre una gasa de púrpuras y azules. “Bocanada” convierte una muestra de los proggers holandeses Focus en un patetismo existencial, y “Verbo Carne” evoca el regusto sombrío de un tema de Bond. “Todo está sucediendo precisamente aquí y ahora”, murmura Cerati en el etéreo “Aquí & Ahora”. 25 años después, todavía lo es.
1. Café Tacvba, ' Ré' - 1994
Un sorprendente segundo álbum, el tour de force estilístico de Tacvba tiene el espíritu de México arraigado en cada uno de sus 20 temas, desde la caótica parodia norteña de “La ingrata” hasta la franqueza del bolero retro de “Esa noche”. Al mismo tiempo, resume los colores y contradicciones más amplios de la cultura latinoamericana con la misma falta de inhibición de una novela de realismo mágico: el humor oscuro, el fatalismo innato y el permanente sentido de asombro. Redemostró, más allá de toda duda razonable, que la música que están ideando los jóvenes músicos latinos dentro del contexto imperialista del rock'n'roll podría ser tan original y reveladora como cualquier cosa de Radiohead o The Clash. Producida con minucioso cuidado por Gustavo Santaolalla, la sesión iluminó la química única que une al cantante Rubén Albarrán (apropiadamente apodado 'Cosme' en este LP), el teclista Emmanuel del Real y los hermanos Quique y Joselo Rangel en el bajo y guitarra. Desde su lanzamiento hace casi 30 años, ha sido comparado repetidamente con el Álbum Blanco de los Beatles., y por una buena razón. El ska psicodélico folklórico de “Las flores”, el avant-mambo de “El puñal y el corazón” y la humeante miniatura de jazz “El balcón” muestran a una banda ebria de su propio poder para inspirar y subvertir.
Última edición: